Entrevista con la banda Danz-K (conformada por ex integrantes de Ritmo Peligroso)

Publicada en el número de marzo de Círculo Mix up

“A nosotros nos tocó el tiempo en que nos aventaban cosas con Ritmo Peligroso. Ahora son otras épocas y la gente ya es más abierta. Tampoco ya no necesitas una chamarra de cuero para sentirte rocker”.  Rafael “Rafiqui” Espinosa y su hermano Armando “Pinaca” tienen un pasado en común como percusionistas en la banda liderada por Piro Pendas y ahora se lanzan con un proyecto propio llamado Danz-K junto a otros jóvenes músicos de Atizapán, Estado de México en su disco debut “Emociones”.

Apostando por un sonido afrocaribeño fusionado a la cumbia, el reggae y el ska,  no se cierran a experimentar con otros ritmos sin perder su esencia “Hoy puedes estar en una banda de rock o de reggae sin tener las trenzas o las rastas. La esencia la llevas en la sangre, no es por las poses ni por la imagen”. Enfatiza Armando. El resto de sus integrantes son: Julio Guerra (guitarra), Barush Luna (bajo), Antonio Manrique (teclados), César Hernández (voz), Héctor Lozano (voz) y Charly Hernández (batería).

Danz-K proviene de la palabra en inglés “dance” (baile) enlazada con “canijo”. Buscaban un nombre corto y pegajoso con otra expresión fuerte. No obstante, sus letras contrastan con esta expresión de rudeza. “Pinaca” manifiesta: “Nosotros queremos que las letras tengan consciencia de la naturaleza, del medio ambiente. Tenemos la oportunidad de hablarlo y decirlo a través de la música que es el idioma universal”.

En México hay una tradición de bandas de reggae, ska y música afrocaribeña. ¿Cómo no ser una a más de este género?

Rafiqui: Creo que lo que estamos haciendo es mucho muy diferente. Yo tengo una relación con las Víctimas del Doctor Cerebro, Rostros Ocultos y otros grupos; aprendimos que es importante el sello de cada quien y eso es lo que te da la forma de crecer y es diferente. El hilo negro no se descubre, pero la fusión que hacemos es muy interesante. No nos preocupamos por hacer las letras bien sino que nos salgan del corazón y a través de eso empezamos a hacer la música. Y las otras bandas se manejan en un solo estilo, algunas de sus canciones todas suenan igual (sic).

En la actualidad se dan las fusiones musicales y ustedes dicen no cerrarse. ¿Qué creen entonces que la cumbia le ha aportado al rock, por ejemplo?

Rafiqui: Ya hay grupos de rock de cumbia…

Armando: Todo se vale, a fin de cuentas es música. Es válido siempre y cuando lo hagas bien y con cuidado. En Argentina hay grupos así. La cumbia le aporta una línea más al rock y la cumbia también tiene muchos años. Fabulosos Cadillacs y Todos tus muertos lo hicieron y les funcionó. Nana Pancha le criticaba eso a Panteón Rococó y ellos aportaron sabor al ska.

Experiencias únicas

Escuchar una pieza como ésta mientras ves un amanecer en Oaxaca y piensas en...

Canes vs. Panes

¿Empadronar a las mascotas del DF sería una medida efectiva para evitar abandonos, maltratos y así sancionar a los responsables? Algunos propietarios opinan en este mini reportaje hecho por su servilleta:

Publicado hoy en la sección QRR de Milenio Diario:

Sobre el rechazo

Si algo he aprendido en el último lustro de mi vida es esto: a aceptar los "no" de otros:

Cuando un ciclo termina, o me rechazan ya sea por trabajo, amistades o relaciones de pareja ya no insisto, ni pido segundas oportunidades, a veces ni siquiera explicaciones, ni mucho menos “les hago la llorona”. Considero que la vida es muy corta para andar con aferramientos y esos patetismos; lo más sano es permitir que las cosas simplemente se vayan, aunque duela. Una de las pocas ventajas de ser rechazado es que la única vía posible es la resignación y el aliviador olvido. 

Ha habido ocasiones que quien me ha mandado al carajo se arrepiente y después regresa a pedir perdón. Pasa. Es ahí cuando evalúo si vale la pena o no el reintento, pero ya la gran mayoría de las veces opto por sólo seguir hacia adelante y por lo general encuentro otras cosas mejores...

Ignoro si esto me vuelva más inteligente, pero lo que es un hecho es que tiene mucho más que ver con la madurez.

Entrevista con Sentidos Opuestos

Publicada en el número de mayo de Circulo Mixup:  http://issuu.com/circulomixup/docs/circulomixup254isu

Alesandra Rossaldo es más rockera que tú. Y lo demuestra con sus preferencias musicales de la adolescencia en la que escuchaba a bandas como White Snake, Poison y Mötley Crue y vestía con cuero, cadenas y estoperoles. En su habitación no faltaba un provocativo poster de Jon Bon Jovi sin camisa, pero su voz no alcanzaba una tonalidad lo suficientemente grave como para cantar canciones de hard rock, por lo que la vida la encauzó en Sentidos Opuestos junto a Chacho Gaytán influídos por el pop, el dance y grupos como Mecano.

Más de 20 años han transcurrido desde entonces y desde su último disco “Movimiento Perpetuo” (2000) guardaron un largo periodo de silencio. Con el tema “Atrapada” se reintegran a la escena incursionando en una nueva modalidad de ventas en la que los sencillos serán lanzados uno por uno y se adquirirán únicamente por tiendas digitales. Los productores chilenos Koko Stambuck y Christopher Manhey se encuentran detrás de este proyecto.

¿Hay algo que extrañen de aquella plataforma de promoción y de lo que representaban los discos físicos?

Alessandra: Yo sí extraño que había muchos más espacios, sobre todo en televisión. En cuanto a medios impresos sigue siendo muy similar y  ahora se suman los digitales, pero antes no te alcanzaban los días para la cantidad de programas que había. Podías hacer promoción durante meses. Ahora los espacios son más reducidos.

Si ustedes escuchaban rock en sus inicios, ¿buscaron hacer un proyecto más afín a esto?

Alessandra: ¡Pero por supuesto! fue cambiando el concepto. La idea original era hacer un grupo de cinco. Ibamos a ser tres músicos y dos vocalistas, una especie de banda como Heart. Estuvimos buscando y audicionando gente sin encontrar a nadie que valiera la pena. Buscamos un tercer integrante, pero el que elegimos estaba firmado con otra compañía disquera. Nuestro manager nos dijo que fuéramos sólo nosotros dos.

Chacho: Ale cantaba con Lucero en ese entonces y yo trabajaba con Alejandra Guzmán. Eso nos nutrió mucho. Aprendimos de lo que se debe hacer y lo que no. Los rockerísimos también tienen una forma de expresión en cómo se visten y en su sonido acaban cantándole al amor y desamor.

Hasta Mötley Crue y Poison cantaban baladas…

Chacho: ¡Claro, también! A todas esas bandas los que más les funcionó fueron justo sus baladas…

Ahora hay artistas pop que intentan incursionar en el rock como Christian Castro. ¿Ustedes lo harían?

Alessandra: Eso está padre. Si el día de mañana se da la oportunidad nosotros no lo descartamos en absoluto. Nuestro camino siempre ha sido siempre el dance, pero no quiere decir que no podamos tratar otros ritmos.

A un mes del Vive Latino 2014

Si el año pasado la playera de Camilo Lara nos pedía Give cumbia a chance (¡Que John Lennon lo perdone!) esta vez resultó una imposición. A lo largo de un año, su producto Los Ángeles Azules acaparó todas las portadas, obtuvo la mayoría de los premios —aunque perdieron la guerra contra el Grammy Latino— y cumplió su capricho de realizar un experimento sinfónico. Sin embargo, el chistecito no terminó ahí. La cumbia sigue imperando.

El Vive Latino de este año dedicó un espacio exclusivo a grupos de cumbia o sonideros en una carpa llamada “Gozadero”. Es irónico que sonideros como La Changa, que nacieron en populosos barrios capitalinos como Tepito puedan jactarse ahora de estar a la altura de Trent Reznor y Brian Molko y ser idolatrados de la misma forma por un mainstream conformado de hipsters, conocedores, incautos y público en general que compra de inmediato lo que le ofrecen. Otros reguetoneros, como Pablito Mix, también tienen cabida en este festival que usa la manoseada palabra “tolerancia”para justificar los intereses comerciales del momento. ¿Qué sigue para el próximo año? ¿Un sitio dedicado al “perreo chacalonero”?

El Vive Latino se promovió desde sus inicios como un “festival iberoamericano de cultura musical” cuya línea se ha ido distorsionando. ¿Cuál es la concepción que tienen sus directivos como “cultura” en la actualidad? Ahora Jordi Puig —su director— y compañía pueden darse el lujo de dictar las reglas del juego que dicen que debemos venerar a Los Tigres del Norte, cuya pleitesía comenzó con un disco tributo y el unplugged grabado por MTV, con Andrés Calamaro como uno de sus nuevos súbditos. ¿Cuál fue la aportación de la cumbia y la norteña al rock mexicano sobre todo en sus tiempos de represión como para encabezar un festival de esta categoría?, ¿Por qué los rockeros no fueron invitados entonces como headliners al Vive Grupero en su momento si estas mescolanzas están permitidas?

La línea entre la broma y lo serio es cada vez más sutil, si no pregúntenle a Silverio y su invitada –próxima conejita de Playboy-Laura León o a Cristian Castro junto a Band of Bitches, cuyo disco “metalero” fue apadrinado por Toy Selectah, uno de los promotores de chistes como Los Ángeles Azules. ¿Esto es “cultura”? La segmentación de géneros musicales y mercados resulta difusa y uno ya puede invadir al terreno del otro sin rubor, no importa que la esencia rockera con la que siempre se caracterizó el festival se vuelva una ambigüedad total.

Quizá lo más cercano a cultura fue un puesto de librerías Gandhi con el fin de promover la lectura mediante las figuras “adoctrinadoras del rock” como Juan Villoro y Xavier Velasco. Un rockstar para otro rockstar... justo a lado de la carpa de Gozadero. Otra ironía.

Al final ya nadie se acordó del vapuleado Hell and Heaven, que prometía fidelidad a un género más agresivo como el metal. Los miles de posibles asistentes, repelidos por el gobierno de un Eruviel Ávila que recuerda los tiempos de Díaz Ordaz y Venus Rey, fueron en gran parte absorbidos por el Vive Latino.

Acaso la responsabilidad más “rocker” caía sobre los hombros de Nine Inch Nails, cuya presentación fue rebasada por el dinámico espectáculo de Arcade Fire y hasta por los beats alegres de Cut Copy. La austeridad de sus elementos visuales fue decepcionante ante la fiereza a la que nos tenían acostumbrados, como ocurrió en su último concierto durante el Motorocker Fest en octubre de 2008. No era éste el escenario para ellos, aunque fue evidente que pueden mantener un show por su propia cuenta sin necesidad de ser programados en un complicado jueves de oficina con el propósito de atraer más público.

El buen clima de los dos primeros días fue interrumpido por una lluvia traicionera que cayó el sábado y el domingo, lo que impidió mostrar las “chichis ‘pa la banda” a granel como en ediciones anteriores.

En el fondo, muchos sacan el cobre y por muy rockeros que busquen sentirse brota el cumbiero y grupero que vive en cada uno. Café Tacuba decía desde 20 años atrás en su canción El borrego: “Y en las tocadas la neta es el slam, pero en mi casa sí le meto al tropical”…

El auténtico creador del etno rock en México: Entrevista con Luis Pérez Ixoneztli.

Publicado hoy en Milenio Dominical

Miriam Canales

En los años setenta, la escena rockera en México se encontraba sumida en condiciones marginales con espacios limitados y grandes restricciones gubernamentales. Por esos años, Luis Pérez Ixoneztli buscaba crear una propuesta que incluyeran diversas atmósferas musicales fusionadas con instrumentos precolombinos y la influencia del rock progresivo. Es así como surgió el disco En el ombligo de la luna, origen del etnorock en nuestro país.

En este género surgieron otros exponentes, como Jorge Reyes, Humberto Álvarez y el grupo Tribu. Sin embargo, el que detonó un parteaguas en la escena rockera fue este disco debut de 1981 de Pérez Ixoneztli, conocido también por su título en náhuatl: Ipan in xiktli meztli.

En la actualidad, este LP es un objeto de culto que resulta muy difícil de conseguir aun en su reciente reedición de 2012, de la que se lanzaron solo 500 ejemplares. Como muestra de su valía, En el ombligo de la luna se incluyó en una exposición de ese mismo año, presentada en el Festival Vive Latino y en el Centro Cultural España de la Ciudad de México, llamada 25 discos que cambiaron al rock mexicano, junto a bandas como Caifanes, Santa Sabina y Café Tacuba.

Formado en la Escuela Nacional de Música, Pérez Ixoneztli, a los 62 años, ha optado por el vegetarianismo, el yoga y la moderación. Comenzó su carrera incursionando en grupos como Ciruela, La verdad desnuda y Al Universo, donde coincidió con Jorge Reyes —incluso llegó a colaborar con Alfredo Díaz Ordaz, hijo del represor del movimiento estudiantil de 1968. “Los conciertos jalaban grandes multitudes pero quedaron aislados al norte de la ciudad, en los hoyos fonqui. Desafortunadamente teníamos la represión a un lado, en los mismos organizadores que cuando ibas a cobrarles después de tocar ya se habían ido. Estaba cansado de eso”.

Sus canciones no eran ajenas a la protesta política y social. Eran los tiempos en que la escena chicana tenía auge con bandas como La Revolución de Emiliano Zapata, El Ritual, Peace and Love y Nahual. Algunas de éstas se presentaban en los pocos centros nocturnos defeños de la época y la costumbre comercial los orillaba a cantar en inglés. “Yo tuve muchas frustraciones y desilusiones con el movimiento. Nos robaron los organizadores de conciertos, los mismos músicos me robaron ideas y los empresarios me prohibían cantar mis canciones en español porque ya tenían una connotación política y social”.

Su primer acercamiento a los instrumentos precolombinos ocurrió en 1971 en Palenque, Chiapas, y sus inquietudes lo llevaron a viajar y experimentar con estos a ciudades como San Miguel de Allende. Una vez definido el curso de su lenguaje musical, se estableció en la calle de Perú del Centro Histórico capitalino. “Cuando yo descubrí que tenía algo en mis manos que era diferente, decidí abandonar las ofertas de trabajo para sobrevivir. Yo tuve esa revelación”. Encerrado el día entero en un cuarto de vecindad bajo condiciones miserables. “El lado B de En el ombligo de la luna es caótico y es de todo el ruido que se percibía de la calle. Creo que me sirvió por todo eso que está incorporado. Así fue como se creó”.

La suerte del etnomúsico cambió cuando la UNAM y la Delegación Cuauhtémoc le concedieron algunos conciertos para presentar su trabajo. Un asistente grabó en casete uno de éstos y se lo enseñó a José Facio Maldonado, entonces subdirector de Acción Cultural del ISSSTE, quien le proporcionó apoyo para sacarlo de la precariedad en la que vivía.

El disco fue producido en sociedad con Polygram, con un tiraje inicial de cinco mil elepés. No tuvo una distribución comercial, pero con él vinieron una serie de invitaciones para aparecer en televisión y radio e incluso para impartir conferencias internacionales sobre música mexicana. “Ahí cambió mi vida. Facio Maldonado fue quien me dio conciertos, me puso en la nómina; él me salvó realmente de que yo me estaba muriendo”. Pérez y Facio trabajaron juntos realizando reportes sobre investigación musical a lo largo del país, mismos que se publicaron en la revista Coatlicue hasta que ambos fueron destituidos al término del sexenio lopezportillista.

La relación de Pérez con músicos como Jorge Reyes no resultó muy favorable, pues éste fue reconocido como el máximo exponente del etnorock hasta su muerte en 2009. Después de que se conocieran en su época estudiantil, incursionaran en bandas como Chac Mool y tras de que Reyes grabara su primer álbum solista Comala en 1986, este género tuvo otra faceta que él explotó hasta el final de sus días, mientras que Luis fue relegado.

“Jorge copió su trabajo directamente de mí. Fue a buscarme a mi casa y quería hacer algo conmigo, pero después me di cuenta por qué. Quería saber qué estaba haciendo yo y después salir con esa propuesta como si fuera suya; todos sus trabajos vienen después de 1981. Yo no quiero hablar mal porque ya falleció, pero no fue una persona honorable porque me robó todas esas ideas y después dijo que a él se le había ocurrido todo esto”.

Par la producción de En el ombligo de la luna se utilizaron instrumentos prehispánicos combinados con sintetizadores análogos en un ámbito de atonalismo e improvisación, en el que Luis Pérez decidió experimentar sin gozar de éxito comercial en México. Con el paso del tiempo, los vaivenes de su carrera lo condujeron a Ventura, California, donde aún reside. Ahí colaboró con el Cirque du Soileil de 1993 a 1996, y su discografía aumentó. Artistas como Jon Anderson (Yes), Hans Zimmer y James Horner se acercaron a él. En 2003, fue comisionado para componer la música del Disney Concert Hall inspirado en el Popol Vuh. Otros de sus álbumes de estudio más recientes son Far away and close to home (2005) y Tales of astral travelers (1998).

Para la segunda mitad de los ochenta, México vivió una nueva explosión musical en la que el “rock en tu idioma” abandonaba la escena precaria; asimismo, los hoyos fonqui y sus artistas anteriores quedaron en un segundo plano. “Yo me fui en 1987, y a mi partida se desarrolló un nuevo movimiento musical. Este disco se quedó como un testimonio”. Su legado se mantiene en pie. Quizá un día la historia de la música de este país le dé el lugar que merece a Luis Pérez Ixoneztli.

Entrevista con Adanowsky

Publicada en el número de abril de Círculo Mix up

 Adan Jodorowsky ha dejado atrás a sus alter egos previos como “El ídolo” y “Amador”, ni qué decir de Fénix, su primer papel infantil en la película Santa Sangre. Recurriendo a sus bases primigenias, en este nuevo disco explora su lado femenino a través de un nuevo personaje llamado Ada, como originalmente iba a ser nombrado por sus padres hasta que descubrieron que nacería varón. Dancing to the radio es el primer sencillo y Adanowsky celebra la dualidad sexual mediante un ritmo más bailable y sin inhibiciones.

“Mi nombre Adán es un accidente. Yo veo esto terrible porque los padres no deberían esperar algo de sus hijos, sólo recibir lo que venga cuando nacen. Toda mi vida cargué con el fantasma de Ada”.

México es un país machista. ¿De qué forma crees que los hombres deberían explorar su lado femenino así como lo haces tú?

No quiere decir siendo gay. Dejándose dominar por una mujer. Todo hombre debería hacerse poseer por lo menos una vez en su vida por una mujer. Muchos tienen miedo a entregarse.

¿Tú te has dejado poseer por una mujer?

¿Te refieres a que si me han dado por el culo? (Risas) Es personal. No voy a entrar en detalles, pero sí lo experimenté, dejarme guiar. Yo fui un hombre que tuvo una dificultad en aceptar su masculinidad. Todo tiene que ver con la inseguridad también. También hay mujeres que pueden denigrar mucho a los hombres y tienen que dejar eso de lado porque denigran su parte masculina.

Hay músicos que dicen que sólo quieren llegar al corazón de la gente, ¿es tu caso también?

No solamente ahí porque no sólo somos un corazón, somos una consciencia, un sexo, un cuerpo. Entonces el deber de un artista es transmitir conciencia para la gente. Hay que tocar todos los sentidos, ser una fuente de inspiración, entonces tienes que transmitir algo útil para el mundo. No solamente tocar de manera romántica, eso es ridículo.

¿Algún día piensas hacer un disco en el que no tengas que recurrir a otra personificación?

Pero mira, sin el maquillaje puedo ser una personificación. No es que me poniéndome un poco de maquillaje me haga diferente. Sólo estoy llevando un vestido, eso es todo. Sigo siendo Adán. Todos los alter egos que creo son una parte mía que se está expresando y son como raíces que están creciendo poco a poco, es parte del mismo árbol y en eso estoy ahora. Prefiero no proyectarme a futuro y dejarme llevar por la corriente.

¿Hay algo más que quieras expresar?

¡Que viva la vida!

Esa frase ya se la acuñó otra banda…

Sí,  pero nadie lo dijo como yo lo dije; ese es un pensamiento limitado. Si tú dices: “voy a crear esto” y alguien más te puede decir que otro ya lo hizo, pero nadie como tú. Yo te lo digo desde lo más profundo de mi ser.

Un documental para El Personal

Publicado hoy en El ángel exterminador de Milenio Diario

Tratar de hacer un perfil suyo resulta más complejo de lo que parece: se aborda la muerte de tres de sus integrantes por el sida, el éxito del debut No me hallo, el cambio de estafeta del vocalista Julio Haro a sus sucesores Lalo Parra y Eduardo Green, y la trascendencia, declive y resurgimiento del grupo. El novel cineasta Jorge Bidault (Guadalajara, 1974), egresado del ITESO y con experiencia en publicidad y mercadotecnia, tuvo la iniciativa de dirigir este proyecto cinematográfico titulado Con el alma en una pieza: la leyenda de El Personal, su ópera prima, con su casa productora Films Cero y apoyado por la Universidad de Guadalajara (UDG). Sin fecha definida de estreno, la historia de estos tapatíos clama por ser divulgada entre generaciones recientes.

Desde que comenzó el rodaje en 2011, en la víspera de su concierto-homenaje en la Feria Internacional de la Música, se culminó en una serie de entrevistas a sus integrantes actuales y previos. Otros allegados al grupo como el caricaturista Jis, el periodista Enrique Blanc y músicos como Jaime López, Sabo Romo, Gerardo Enciso y Botellita de Jerez también participan en la película. En la actualidad se encuentra en una etapa en la que se buscan recursos para su posproducción; uno de ellos fue el Festival de Cine de Guadalajara, donde se proyectó en recientes fechas. De manera posterior, se busca recapitalizar a través de exhibiciones en salas de cine y una comercialización posterior en dvd y Blu-ray una vez que pase por cartelera.

“En 2010-2011 me enteré por Facebook que se volvían a juntar; yo ya conocía al músico Daniel Kitroser (miembro anterior). Inmediatamente pregunté si alguien estaba documentando eso y resultó que no. Me invitaron a un ensayo, conocí a Andrés Haro (coproductor y miembro original) y platiqué con él. Lo importante es que existiera un registro y yo lo que quería era que quedara para la posteridad”, comenta Bidault.

¿CÓMO TE SIENTES DE TENER LA RESPONSABILIDAD DE MOSTRAR LA HISTORIA DE UNA BANDA COMO ÉSTA?

Es toda una responsabilidad y un honor. Habla de una Guadalajara que tal vez ni es conveniente para los intereses de muchos, sobre todo por la homosexualidad, aunque no sea una banda que hablara solo de lo lésbico-gay. Detrás de la música hay seres humanos no solo con ropa de boutique que suben al escenario. Nunca me preocupé de si yo era la persona indicada para hacer esto, lo que sí he pensado a lo largo de este tiempo es que nadie se había tomado la molestia de ponerle atención a una historia tan importante y trascendente; eso me hizo click con la responsabilidad. La historia contemporánea se está escribiendo 30 años después de que pasan las cosas.

¿QUÉ PIENSAS QUE TIENEN DE PARTICULAR QUE NO TENGAN OTROS GRUPOSCONTEMPORÁNEOS TAPATÍOS COMO ROSTROS OCULTOS, MANÁ O SOMBRERO VERDE?

Todo el rock que se producía nacionalmente tenía una fórmula muy solemne, muy oscuro, se tomaban todo demasiado en serio y El Personal tenía una postura desenfadada. El uso del humor, del desparpajo. Esa forma de decir las cosas sin miedo a no vender discos se aproxima a lo que fue el rock en su principio y ellos se convirtieron en una banda de culto de rock sin ser de este género propiamente.

¿QUÉ BUSCAS APORTAR A GENERACIONES QUE NUNCA HAYAN OÍDO HABLAR DE ELPERSONAL?

Creo que la persistencia. Habría que recuperar que hay otras formas de hacer música que ya se hicieron antes. México tiene una sociedad sin memoria, se nos olvidan las cosas muy rápido. Básicamente es la energía que quiero yo que se proyecte: la persistencia, el aguante. El caso de la discriminación que alguien pueda tener, repensar lo diferente.

¿CREES QUE HA HABIDO ALGÚN CAMBIO EN GUADALAJARA SOBRE CÓMO SE ACEPTA APERSONAS SEROPOSITIVAS A DIFERENCIA DE LAS CIRCUNSTANCIAS EN QUE VIVIERON JULIOHARO Y EL BATERISTA PEDRO FERNÁNDEZ EN LOS OCHENTA?

Yo creo que sí ha habido grandes avances y en gran medida han sido por proyectos como éste. No quiero ubicarlo como que habla solo de la comunidad lésbico gay; de manera involuntaria les tocó pasar por el sida. Guadalajara ahora es más permisible, se han ganado muchos espacios, sigue haciendo ruido y es una sociedad muy moralina, pero sí ha habido avances. En muchos sentidos seguimos metidos en los años ochenta, los patrones de pensamiento no han cambiado. El Personal también ha servido para que generaciones nuevas tengan una forma distinta de ver, pero hay mucho que hacer todavía.

¿POR QUÉ HA DEMORADO TANTO TIEMPO ESTE PROYECTO?

En ningún momento se hizo una ruta crítica a seguir, se fue haciendo una gran bola de nieve cada vez más difícil de sustentar. No he tenido ingresos y sí mucha demanda de tiempo. Se ha tardado por resolver algunas cuestiones legales y por seguir trabajando como cualquier persona que se dedica a su oficio.

Miriam Canales

@miricaiba

Obituario personal

A Miriam le caracterizaban algunas cosas: tenía carácter fuerte, odiaba la hipocresía y poseía una audacia muy suya. Cuando comenzó a estudiar la carrera de comunicación a los 18 años tenía muy claro que deseaba incursionar en el periodismo escrito. Sus ideas le parecían demasiado estrafalarias al resto de sus compañeros de clase. Los malos comentarios y críticas jamás la hicieron dudar de lo que buscaba para ella.

En el Distrito Federal encontró un campo más fértil para su trabajo a diferencia de su árido Torreón Coahuila donde brotaron las primeras letras, pero donde no obtendría permanencia. Ella buscó una ciudad más extensa y adrenalínica, que nunca durmiera, donde escuchara el sonido del metro como un trueno distante, que le impusiera nuevos retos día con día. Este fue el lugar, amaba Londres, pero nunca llegó a vivir en él. No obstante, su pluma mostró algunas de las aventuras vividas por allá.

La música y el rock siempre le apasionaron. Como nunca se sintió capaz de cantar, tocar o crear una banda optó por involucrarse en este arte escribiendo de él. Muchos fueron los músicos-veteranos, independientes, famosos o pretenciosos-que pasaron por sus preguntas. Algunos agradecieron conocerla, otros terminaron por denostarla. Así es el oficio de mostrar las ideas en público y sus delicias y desdichas, de hablar con desconocidos y perfilarlos como quien pinta un retrato, no necesariamente por encargo.

Miriam se rebeló a trabajar detrás de un escritorio bajo un horario absurdo, bajo las ordenes de un jefe engreído. Prefería la libertad y la creatividad, la buena conversación, la buena lectura, la buena música, el buen cine. Ella ya no está, pero sus textos pueden leerse una y otra vez. Las buenas letras siempre garantizan la inmortalidad, como la historia de “Bomarzo”.

Parafraseando a una de sus bandas favoritas El Personal, siempre tuvo presente las palabras de Julio Haro en la canción Rumba sin rumbo: “Cuando yo me muera, cuando yo me muera que ni se ocupen en cavar mi tumba/cuando yo me muera yo no quiero un homenaje y que nadie diga más de mí/y que nadie diga “ay qué bueno  fui”/lo que quiero es que se olviden de mí”…

Nine Inch Nails: de espectros y oscuridades

Miriam Canales

@miricaiba

Publicado hoy en El ángel exterminador de Milenio Diario

La media noche es la hora idónea para el romance, el sexo y hasta el miedo y los fantasmas. Si la media noche tuviera un soundtrack donde se complementaran todos estos elementos, Reznor sería su máximo perpetrador. Éste es un disco repleto de sueños y pesadillas, religión y herejía, odio y pesadumbre, en el que su voz quedó plasmada como una referencia de los tiempos aciagos de mitad de los 90. Producido por él mismo y Mark Ellis Flood (U2, Depeche Mode, New Order), The Downward Spiral se parió el 8 de marzo de 1994.

Un par de años atrás, a fin de encontrar una atmósfera propicia, el cantante se mudó a la residencia que habitaron el cineasta Roman Polanski y la actriz Sharon Tate, asesinada ahí mismo por Charles Manson y sus secuaces en 1969, para gestar sus oscuras ideas musicales. Ubicada en Benedict Canyon, en Los Ángeles, instaló un estudio llamado “Le Pig”, donde surgió su ep previo a Broken y apadrinó el disco debut de Marilyn Manson: Portrait of An American Family. Por 11 mil dólares mensuales de renta, tuvo la ocurrencia de colocar todo su equipo de grabación justo en la sala donde ejecutaron a las víctimas, rodeado de los muros donde aún se leían las consignasDeath to the pigs plasmadas por los criminales a manera de firma.

Durante sus últimos momentos de trabajo por 1993, tuvo un encuentro casual con Patti Tate, hermana de la actriz, quien lo confrontó preguntándole si morando en este sitio pretendía explotar su muerte, a lo que Reznor respondió: “No, es solo mi interés en el folclor norteamericano; estoy en este lugar donde ocurrió una parte enfermiza de la historia”. Alguna vez declaró a la revista Rolling Stone que tras esta charla se puso en sus zapatos y reflexionó sobre la pérdida de un ser querido. “¿Qué tal si se hubiera tratado de mi propia hermana? ¡Al carajo con Charles Manson! Fui a casa y lloré esa noche; me hizo ver las cosas de otro modo”. Después fue demolida, él sintió que había demasiada historia difícil de abarcar en ella.

Cavilación tardía o remordimiento pasajero, el trabajo ya estaba hecho y había logrado que esos fantasmas se introdujeran para dar a luz al disco más representativo de la banda, lleno de momentos delirantes y agresivos. La referencia de los cerdos-víctimas quedó evidenciada en temas como March of The Pigs y Piggy (Nothing Can Stop Me Now). Una faceta fresca y más inteligente que la frivolidad del heavy metal de finales de los 80, que parecía no dar para más ante el dominio del grunge. Ya nadie podría detener a Reznor más que sus propias ambiciones.

“Te llevaré a donde quieras ir” (I’ll take you where you wanna go!) es una frase conductora del primer corte a lo largo de un sombrío viaje de 60 minutos. El álbum abre con “Mr. Self Destruct” y los quejidos de un hombre cruelmente azotado. Los oídos deben estar atentos para entregarse a una obra que no garantiza felicidad alguna. Es un paseo por el infierno donde el mismo autor, influenciado por Numan y Bowie (¿quiénes más?), se enfrenta a sus propios demonios más de los que ya pululaban en la vivienda del matrimonio Polanski-Tate. La belleza tiene otras caras, muchas de ellas grotescas, y aquí queda demostrado.

Por su trascendencia musical y como video de MTV, “Closer” es la pieza más famosa. Contiene una letra perversa y sin tapujos en la que Reznor declara que desea follarnos como animales. “Ayúdame a salir de mí mismo / Tú me haces acercarme más a Dios”.

Después de embarrase de fango con “Ruiner”, “The Becoming”, “I Do Not Want This” y “Big Man With a Big Gun”, el escucha puede regocijarse con una pieza instrumental sublime como lo es “A Warm Place”, en la que es posible sentir una luz diáfana por unos instantes. Si hubiera un acercamiento breve a los fieles difuntos en un plano celestial, ésta sería perfecta. Una vez terminada esta efímera paz engañosa, hay que retomar el camino al inframundo con “Eraser”, recordando que no es la alegría lo que motiva a escuchar este disco.

“Hurt” se encarga de cerrar; su lírica depresiva y existencialista sigue influyendo pese a la distancia generacional. “Y tú podrías tenerlo todo: mi imperio de lodo / ¿En qué me he convertido, mi más dulce amigo? / Todos los que conozco al final se van”. Para entonces, Reznor logró su propósito: sumergir al escucha en su mundo lúgubre del que resulta difícil salir. A manera de testamento musical, Johnny Cash se encargó de hacerle una conmovedora reinterpretación poco antes de su muerte en 2003.

El próximo 27 de marzo, NIN volverá a este país encabezando el primer día del Festival Vive Latino con sus obras posteriores y su último discoHesitation Marks. Es ahí donde a dos décadas de distancia se apreciarán los efectos que la sombra de Sharon Tate tuvo en él.

Miriam Canales

@miricaiba

La carne

Suculento cuento de Virgilio Piñera (La Habana, Cuba 1912-1979)

Sucedió con gran sencillez, sin afectación. Por motivos que no son del caso exponer, la población sufría de falta de carne. Todo el mundo se alarmó y se hicieron comentarios más o menos amargos y hasta se esbozaron ciertos propósitos de venganza. Pero, como siempre sucede, las protestas no pasaron de meras amenazas y pronto se vio a aquel afligido pueblo engullendo los más variados vegetales.Sólo que el señor Ansaldo no siguió la orden general. Con gran tranquilidad se puso a afilar un enorme cuchillo de cocina, y, acto seguido, bajándose los pantalones hasta las rodillas, cortó de su nalga izquierda un hermoso filete. Tras haberlo limpiado lo adobó con sal y vinagre, lo pasó –como se dice– por la parrilla, para finalmente freírlo en la gran sartén de las tortillas del domingo.

Sentóse a la mesa y comenzó a saborear su hermoso filete. Entonces llamaron a la puerta; era el vecino que venía a desahogarse… Pero Ansaldo, con elegante ademán, le hizo ver el hermoso filete. El vecino preguntó y Ansaldo se limitó a mostrar su nalga izquierda. Todo quedaba explicado. A su vez, el vecino deslumbrado y conmovido, salió sin decir palabra para volver al poco rato con el alcalde del pueblo. Éste expresó a Ansaldo su vivo deseo de que su amado pueblo se alimentara, como lo hacía Ansaldo, de sus propias reservas, es decir, de su propia carne, de la respectiva carne de cada uno. Pronto quedó acordada la cosa y después de las efusiones propias de gente bien educada, Ansaldo se trasladó a la plaza principal del pueblo para ofrecer, según su frase característica, “una demostración práctica a las masas”.Una vez allí hizo saber que cada persona cortaría de su nalga izquierda dos filetes, en todo iguales a una muestra en yeso encarnado que colgaba de un reluciente alambre. Y declaraba que dos filetes y no uno, pues si él había cortado de su propia nalga izquierda un hermoso filete, justo era que la cosa marchase a compás, esto es, que nadie engullera un filete menos. Una vez fijados estos puntos diose cada uno a rebanar dos filetes de su respectiva nalga izquierda. Era un glorioso espectáculo, pero se ruega no enviar descripciones. Por lo demás, se hicieron cálculos acerca de cuánto tiempo gozaría el pueblo de los beneficios de la carne. Un distinguido anatómico predijo que sobre un peso de cien libras, y descontando vísceras y demás órganos no ingestibles, un individuo podía comer carne durante ciento cuarenta días a razón de media libra por día. Por lo demás, era un cálculo ilusorio. Y lo que importaba era que cada uno pudiese ingerir su hermoso filete.

Pronto se vio a señoras que hablaban de las ventajas que reportaba la idea del señor Ansaldo. Por ejemplo, las que ya habían devorado sus senos no se veían obligadas a cubrir de telas su caja torácica, y sus vestidos concluían poco más arriba del ombligo. Y algunas, no todas, no hablaban ya, pues habían engullido su lengua, que dicho sea de paso, es un manjar de monarcas. En la calle tenían lugar las más deliciosas escenas: así, dos señoras que hacía muchísimo tiempo no se veían no pudieron besarse; habían usado sus labios en la confección de unas frituras de gran éxito. Y el alcaide del penal no pudo firmar la sentencia de muerte de un condenado porque se había comido las yemas de los dedos, que, según los buenos gourmets (y el alcaide lo era) ha dado origen a esa frase tan llevada y traída de “chuparse la yema de los dedos”.

Hubo hasta pequeñas sublevaciones. El sindicato de obreros de ajustadores femeninos elevó su más formal protesta ante la autoridad correspondiente, y ésta contestó que no era posible slogan alguno para animar a las señoras a usarlos de nuevo. Pero eran sublevaciones inocentes que no interrumpían de ningún modo la consumación, por parte del pueblo, de su propia carne.

Uno de los sucesos más pintorescos de aquella agradable jornada fue la disección del último pedazo de carne del bailarín del pueblo. Éste, por respeto a su arte, había dejado para lo último los bellos dedos de sus pies. Sus convecinos advirtieron que desde hacía varios días se mostraba vivamente inquieto. Ya sólo le quedaba la parte carnosa del dedo gordo. Entonces invitó a sus amigos a presenciar la operación. En medio de un sanguinolento silencio cortó su porción postrera, y sin pasarla por el fuego la dejó caer en el hueco de lo que había sido en otro tiempo su hermosa boca. Entonces todos los presentes se pusieron repentinamente serios.

Pero se iba viviendo, y era lo importante, ¿Y si acaso…? ¿Sería por eso que las zapatillas del bailarín se encontraban ahora en una de las salas del Museo de los Recuerdos Ilustres? Sólo se sabe que uno de los hombres más obesos del pueblo (pesaba doscientos kilos) gastó toda su reserva de carne disponible en el breve espacio de 15 días (era extremadamente goloso, y por otra parte, su organismo exigía grandes cantidades). Después ya nadie pudo verlo jamás. Evidentemente se ocultaba… Pero no sólo se ocultaba él, sino que otros muchos comenzaban a adoptar idéntico comportamiento. De esta suerte, una mañana, la señora Orfila, al preguntar a su hijo –que se devoraba el lóbulo izquierdo de la oreja– dónde había guardado no sé qué cosa, no obtuvo respuesta alguna. Y no valieron súplicas ni amenazas. Llamado el perito en desaparecidos sólo pudo dar con un breve montón de excrementos en el sitio donde la señora Orfila juraba y perjuraba que su amado hijo se encontraba en el momento de ser interrogado por ella. Pero estas ligeras alteraciones no minaban en absoluto la alegría de aquellos habitantes. ¿De qué podría quejarse un pueblo que tenía asegurada su subsistencia? El grave problema del orden público creado por la falta de carne, ¿no había quedado definitivamente zanjado? Que la población fuera ocultándose progresivamente nada tenía que ver con el aspecto central de la cosa, y sólo era un colofón que no alteraba en modo alguno la firme voluntad de aquella gente de procurarse el precioso alimento. ¿Era, por ventura, dicho colofón el precio que exigía la carne de cada uno? Pero sería miserable hacer más preguntas inoportunas, y aquel prudente pueblo estaba muy bien alimentado.

Mañana 1 de marzo, 3:00pm

Estaré como invitada en el programa de radio por internet "Pizza fría" donde abordaremos la escena New wave de los 80 y programaremos música en español y en ingés de Talking Heads, Ultravox, Size, Volti etc. No sean ojeis y préndanle:


http://nofm-radio.com/

Este mes en Círculo Mix up

http://issuu.com/circulomixup/docs/circulomixup251isu

No se pierdan esta entrevista con la banda israelí de techno pop The Young Professionals quienes se presentaron en la FIL de Guadalajara y me preguntaron qué escritores mexicanos leer. Les recomendé que se alejaran de Juan Villoro...

Paraíso

"Todo es amor, todo era amor, todo será amor, todo ha sido amor, todo hubiera sido amor". ¡Ah! Eso es todo, por fin la verdad.

"Podría perdonar, podría ser perdonada. Podría perdonar. Tal vez eso era todo. Probablemente ser perdonada es sólo perdonar y nadie me lo dijo. No hay nada más que sea necesario. Sólo perdonar. Perdonar y ser por igual perdonado. Ese es el secreto del universo. El pasado ha salido en un parpadeo y todo ha cambiado y lo ha hecho bueno y bello"...

(Feliz cumpleaños 30 a mí)

Beatlemanía en México

Publicado hoy en Milenio Dominical 

Se ha dicho todo de ellos. ¿Qué podría ser relevante en una fecha como ésta y que no se haya mencionado con anterioridad? Este 9 de febrero de 2014 se cumple medio siglo de que el continente americano sufrió una nueva conquista más allá de la que se habla en los libros de historia: la conquista de un gusto musical impulsado por Los Beatles.

Ed Sullivan los presentó por primera vez en la televisión, de donde surgiría un fervor redituado por las siguientes generaciones en millones de dólares, mientras que muchas otras bandas afines y contemporáneas han quedado relegadas. No hay oferta sin demanda y la prueba en México es el más reciente concierto de Paul McCartney, cuyos boletos cotizados en 12 mil pesos, y otros paquetes que incluían asistir al soundcheck valorados en más de 20 mil, resultaron insuficientes. Y todo para que al final el músico terminara ofreciendo una presentación gratuita en el Zócalo capitalino, donde acudieron muchos incapaces de costearse una entrada a precios sobrevaluados. Fue como si las autoridades del DF tuvieran una deuda que saldar con los seguidores del grupo tras la prohibición de quien fuera entonces regente, Ernesto P. Uruchurtu, de permitir un concierto del cuarteto allá en 1965.

En la actualidad, los fanáticos defeños pueden saciar su hambre beatlemaniaca acudiendo al Tianguis Cultural del Chopo, bares que aún tocan sus éxitos con grupos en vivo o tiendas especializadas como Abbey Rock en la colonia Condesa, donde también se imparten clases de música.

Ricardo Calderón, gerente y propietario, ha reunido una colección de discos y objetos adquiridos a lo largo de 40 años en extintas tiendas del barrio de La Merced y otras como Hip 70. Su tienda surgió tras acumular varias cosas repetidas, por lo cual decidiera ponerlas a la venta. Él ha conocido de cerca esa idolatría: "Sé de mucha gente loca, otros que han sido capaces de dejar a un pariente enfermo por salir a buscar a Paul Mc Cartney. Cuando vino en 2002 yo aquí me quedé, algunos de ellos sí fueron, dejaron de ir a trabajar y rentaron una habitación en el hotel donde él estuvo y no lograron nada. Tengo amigos con colecciones muy buenas, 10 veces más caras que la mía, pero no se las enseñan a nadie, ni a su madre. No son coleccionistas, son inversionistas. Yo prefiero que las cosas me caigan del cielo como ha sido hasta ahora".

En su local, los objetos más buscados son los llaveros, playeras, pins, fotografías y, lo menos, los libros que incluso algunos férreos seguidores se resisten a leer. En uno de los recovecos de Abbey Rock puede apreciarse el rarísimo disco Yesterday and today, de 1966, con la imagen censurada en la que posaron como unos carniceros. Una controversia por aquellos años que lo hizo volverse un objeto de colección, pero no de culto, porque, por extraño que parezca, esta portada que pudiera ser uno de los fetiches más atractivos no se vende bien.

En otras situaciones, algunos fanáticos se han enfrentado a momentos adversos o poco racionales, traducidos en obstinación. En el caso de quien escribe estas líneas, acudió una noche lluviosa a un lujoso hotel del Paseo de la Reforma donde se hospedó Paul Mc Cartney en 2012; un admirador mencionó que no le importaba esperar hasta las once y media de la noche con tal de que saliera, "aunque tuviera que tomar el último camión hasta el Ajusco". Eran más de las 10 de la noche y no había atisbo alguno del ex Beatle. A su concierto en el Zócalo acudieron por igual niños, ancianos, familias enteras, gente que viajó de otras partes de la República para instalarse en primera fila desde la mañana. Ese día retumbó una fuerte deserción laboral en la metrópoli, y no precisamente porque fuera Día de las Madres.

De igual forma, Calderón sabe de individuos cuya ambición por poseer objetos únicos e inusuales sobrepasa a su cartera, solo por el afán de ostentar piezas únicas, incluso rayando en el fetichismo. Un caso son los discos de vinilo autografiados, muchos de los cuales no son más que fraudes. Un acaudalado amigo suyo obtuvo una edición del Imagine de John Lennon por tres mil dólares y otra del Cloud Nine de George Harrison al mismo precio. "Son caros, pero en realidad muy baratos en comparación a otros; El Sargento Pimienta autografiado puede alcanzar de 50 mil a 200 mil dólares y es casi imposible de conseguir". Además, la inmediatez con la que sus contactos proveen de estos discos vuelve aún más sospechosa su autenticidad. El que representa una rareza extrema es el Abbey Road, del que según sus palabras solo se conocen seis ejemplares en todo el mundo con la firma de los cuatro integrantes. Algo que jamás logró conseguir Calderón es un autógrafo de John Lennon ex profeso para él, aunque conserva un par sin una dedicatoria implícita. "Yo tengo muchas cosas y si me falta algo no me quita el sueño, pero hay muchos otros amigos a los que sí".

Relata que entabló amistad con el músico Tony Sheridan, cercano colaborador de Los Beatles, a quien invitó a México en tres ocasiones para ofrecer conciertos. Él deseaba conocer el país y otro tipo de público diferente al de Europa o Estados Unidos, pero su fuerte temperamento e intensa manera de tocar le provocó dificultades para congeniar con músicos que comprendieran su estilo. Uno de los recomendados por su anfitrión fue el baterista Jaime Sosa, de la banda de covers Morsa, sin ser estrella pero con suficiente experiencia profesional, con quien Tony quedó satisfecho. En su paso por Hamburgo, Alemania, ni Ringo Starr fue capaz de seguirle el ritmo a Sheridan, por muy disciplinado que fuera, pues necesitaba alguien quien supiera improvisar. "En México tuvo otros músicos y no le gustaron. Él tocaba muy raro y había que ir a su nivel", explica Sosa. Durante un ensayo en Puebla enfureció con su banda provisional mexicana a falta de afinidad, hasta que Ricardo Calderón le trajera de vuelta a Morsa. Así Sheridan recorrió otras ciudades como Querétaro y Monterrey donde sufrió las informalidades de unos organizadores que lo defraudaron, y solo gracias a la intermediación de Ricardo se lograron cubrir algunos pagos. Finalmente Sheridan murió el 16 febrero de 2013, en la misma ciudad alemana de Hamburgo, donde germinó su contribución al cuarteto de Liverpool.

Esta especie de cofradía beatlemaniaca tiene otro importante miembro en el locutor de radio Manuel Guerrero, cuya historia personal es más benévola. En 1972 fue el primer niño ganador del programa de concurso El gran premio de los 64 mil pesos. Por ese entonces, y en asociación con Discos Capitol, le obsequiaron un viaje a Los Ángeles donde tuvo la oportunidad de hablar por teléfono, mediante los estudios Apple, con John Lennon y Yoko Ono quienes le enviaron a su domicilio discos autografiados. Su pasión le llevó a buscar a Ringo Starr a Durango en 1980, mientras se encontraba en la filmación de la película El Cavernícola, a George Martin en un hotel de la Ciudad de México, e intentó conocer a George Harrison en su casa de Londres, aunque sin éxito en esta última hazaña. No obstante, su suerte con McCartney fue otra, puesto que el ex Beatle le concedió una entrevista exclusiva en 2002. Manuel conduce desde hace 20 años un programa de radio dedicado a ellos, mismo que hasta la fecha sigue al aire por la estación Universal Stereo.

En ocasión de un viaje a Inglaterra, los británicos le expresaron su sorpresa por un programa de esta categoría en nuestro país; dos emisiones al día era demasiado para ellos. "Me dijeron que estábamos locos, pero ellos los tuvieron de primera mano mientras que en América Latina no". Actualmente, Manuel Guerrero imparte un curso sabatino sobre historia inglesa y del argot utilizado en Liverpool, en la Academia Morsa, ubicada en el interior de Abbey Rock. Los estudiantes varían en rango de edades y acuden por igual niños que adultos mayores; ahí los pequeños se animan más a formar sus propias e incipientes bandas de rock practicando con canciones de Los Beatles. Incluso, existen grupos solo de niñas, como La Strawberry Band.

El cuarteto inglés sigue gozando de popularidad sin fecha de caducidad gracias a sus estrafalarios fans; su devoción no tiene límites. No importa que otros contemporáneos no hayan recibido la misma atención como Los Rolling Stones, Jimi Hendrix, Deep Purple o Traffic. El solo nombre es sinónimo de fama y fortuna. Esperemo

Rock de tres décadas

Publicado hoy en la sección El ángel exterminador de Milenio Diario

Rock de tres décadas (Especial)

U2, THE UNFORGETTABLE FIRE

Muchos años antes de que optaran por anunciar celulares y iPods, U2 gozó de una esencia más pura en manos de esta obra, la primera producida para ellos por Brian Eno. De aquí surgirían “Pride (In The Name Of Love)”, “Bad” y la que da nombre a este disco, pocas veces interpretada en sus últimas giras y olvidada inmerecidamente.

DEPECHE MODE, SOME GREAT REWARD

Los únicos sobrevivientes dignos del synthpop británico no hubieran logrado su estatus gracias a temas como “People Are People” o “Master And Servant”, incluidos en este álbum, o a la inspiración que les originaron los clubes sadomasoquistas de Berlín —ciudad donde se grabó— para escribir sus letras de sometimiento de los débiles por los fuertes o de protesta social. Daniel Miller se encontraba tras la cortina y el emblemático estudio Hansa, como su casa creadora. Delta Machinequedó muy lejos de esto.

COCTEAU TWINS, TREASURE

Escuchar a esta banda escocesa es como adentrarse en un bosque misterioso. Su estilo nunca fue abiertamente punk, pero sí más gótico, y la voz de Elizabeth Fraser remitía a la de una sirena desesperanzada. En este, su segundo álbum, los títulos de sus canciones se inspiran en algunos mitos y personajes literarios como “Persephone”, “Beatrix”, “Pandora” y “Lorelei” antes de que su sonido se volviera más diáfano en los noventa. Si hay que bailar un valse lóbrego, que sea al ritmo de este tesoro.

THOMAS DOLBY, THE FLAT EARTH

Sin ser un éxito rotundo de ventas, Dolby demostró que podía continuar la línea de calidad que inició con su debut The Golden Age of Wireless (1982), aquí con un estilo más ecléctico y menos synthpop. Hay que poner atención al tema “Hyperactive!”, escrito originalmente para Michael Jackson, y al cover en versión bossa nova de “I Scare Myself”, del cantante Dan Hicks.

DEAD CAN DANCE, DEAD CAN DANCE

Una pareja que ha dado a luz a la belleza sombría son Lisa Gerrard y Brendan Perry, cuyo debut es un laberinto que inicia con el tema instrumental “The Fatal Impact” como una estremecedora carta de presentación. Sus primeros pasos parecían dirigirse al rock antes de desviar su camino hacia la fusión étnica y la experimentación. Sensualidad oscura.

SIZE, EL DIABLO EN EL CUERPO

Había una vez al sur del Distrito Federal una banda punk-new wave que intentó abrir una brecha con un sonido rebelde y moderno, primero cantando en inglés, luego en español. En este disco, Jaime Keller (aliasIlly Bleeding), Walter Schmidt, Carlos Robledo y Alfonso Moctezuma lanzaron un par de canciones como “La cabellera de Berenice” y “El diablo en el cuerpo”. Después surgirían otros grupos como Caifanes, admiradores suyos, el “rock en tu idioma” y el tiempo se portó de manera injusta con su aportación al rock mexicano.

SILUETA PÁLIDA, SILUETA PÁLIDA

Otra banda mexicana que no merece quedar en el olvido es la que conformaban los músicos Jaime Herranz y Carlos García —quien se unió a Decada 2—, quienes crearon a base de instrumentos análogos y tradicionales una colección de cuatro canciones como “El paso del tiempo” e “Impensando”, bajo el sello independiente Discos A.E.I. Infravalorado y difícil de conseguir.

ROCKDRIGO GONZÁLEZ, HURBANISTORIAS

Aunque Discos Pentagrama lo publicó de manera póstuma en 1986, González grabó y distribuyó de manera previa e independiente la primera edición de uno de los mejores discos que un norteño pudo componerle a la Ciudad de México. Esta no volvería a sonar igual tras su himno  “No tengo tiempo” y la triste balada “Metro Balderas”, donde se erigió una ignorada estatua en su memoria. Su legado fue su hija Amandititita, pero no fue lo mismo.

BOTELLITA DE JEREZ, BOTELLITA DE JEREZ

La macuarrez tan recurrida por el rock hoy en día tuvo un origen único en “los botellos” y nunca sonó tan original bajo la escuela que implementaron Armando Vega Gil, Sergio Arau y Francisco Barrios, El Mastuerzo, que hasta la actualidad se mantiene.  Sin ser grandes instrumentistas, sus letras derrochaban irreverencia y humor para contrarrestar la ñoñería pop de los ochenta y marcar su influencia en generaciones posteriores. ¿Acaso tiene fecha de caducidad el charrock and roll? Muchos malos imitadores suyos llegarían después.

SODA STEREO, SODA STEREO

No hay que perder de vista el aniversario del álbum debut de estos argentinos con canciones naive y letras absurdas como “Sobredosis de tv”, “Mi novia tiene bíceps” o “¿Por qué no puedo ser del jet set?”, en las que Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti pretendían ser una especie de The Police versión gaucha antes de definir su estilo. El resto es historia.

 Miriam Canales @miricaiba