Dead Can Dance: los muertos bailan de nuevo

Publicado hoy en la sección El ángel exterminador de Milenio Diario

Miriam Canales

Noviembre tiene sabor a música del medioevo y este dueto australiano se encargará de su despedida con su más reciente disco y nuevos bríos por delante.

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Foto: Arden Lanthier

LISA GERRAND Y BRENDAN PERRY.

México  • Se habían separado en dos ocasiones, pero los lazos musicales son más fuertes. Lisa Gerrand y Brendan Perry retornan a México para presentar su nuevo disco Anastasis.

Noviembre tiene sabor a música del medioevo y este dueto australiano se encargará de su despedida con su más reciente disco y nuevos bríos por delante. La última vez que se escuchó en estudio a Dead Can Dance fue con el álbum Spiritchaser  y de ello han transcurrido 16 años; en 1998 el dueto se apartó para emprender diferentes rutas como solistas: Lisa en su natal Australia y Brendan en Irlanda, resguardado en una vieja iglesia que compró para ocuparla como hogar y estudio de grabación, aunque siguieron escribiendo y produciendo bajo el nombre de Dead Can Dance, contribuyendo en este periodo para bandas sonoras de películas como Gladiador (2000) y su disco recopilatorio de éxitos Memento en 2001.

Es evidente que nunca se presentaron en este país durante sus mejores épocas ni en su etapa de juventud; ahora con su nueva obra Anastasis regresan para presentar una serie de conciertos en el Distrito Federal los días 27 y 29 de noviembre y el 30 en Guadalajara desde su última visita en 2005, año en que promovieron una gira mundial por Europa, Canadá, Estados Unidos y México.

DE AUSTRALIA A LA ETERNIDAD
Los vaivenes de la música de Dead Can Dance los han llevado a recorrer desde sus raíces en Melbourne, Australia hasta Londres, Inglaterra donde emigraron buscando el éxito comercial en 1982. Hasta la fecha algunos confunden sus orígenes entre un país y otro. Sin haber sido nunca las estrellas favoritas de MTV en la década de los 80, su influencia se refleja en la escena gótica ydark wavey en proyectos afines como los alemanes Enigma y otros más recientes como la cantante inglesa Bat For Lashes.

Utilizando instrumentos poco comunes en la cultura occidental, la pareja ha creado un estilo muy característico que no siempre resulta fácil de catalogar, podría definirse como oscuro y “brujesco”, pero posee una riqueza sonora con tintes medievales, étnicos, africanos, góticos, ambienty un poco de rock experimentando constantemente con distintos ritmos y atmósferas. Su música remite desde el más intenso trance hasta la más profunda abstracción en viajes lentos y pausados: como sumergirse al fondo del mar, como acudir a una ceremonia religiosa o presenciar un ritual sagrado con una vieja tribu.

Su viaje inició en 1984 con su debut homónimo cargado de ritmos frenéticos, rock gótico y una pequeña dosis de post punk; sus obras posteriores continuaron por caminos más eclécticos como en “Spleen and ideal” (1985) y “Within the realm of a dying sun (1987). En 1993 lanzaron “Into the labyrinth”, un disco sustancioso y maduro en el que combinaron percusiones, voces a capela y sonidos africanos. Discos como este último fueron grabados por separado mientras cada integrante se encontraba en diferentes partes del mundo como Europa y Oceanía.

MÚSICA PARA EL FIN DEL MUNDO
“Anastasis” es una palabra griega referente al descenso de Cristo a los infiernos a fin de permitir su entrada al cielo. En una etapa en que el tema sobre el final de los tiempos se divulga por doquier llegando a rayar en lo absurdo, Gerrand y Perry parecen celebrarlo y le reciben mediante la música nueva, la renovación y el reencuentro mutuo, según han declarado: “Nosotros grabamos discos porque todavía tenemos muchos demonios por exorcizar; disfrutamos la naturaleza terapéutica de hacer música y a través de eso queremos expresar esa alegría y transmitirla a la gente”. Pasión total.

En esta nueva entrega no hay gran experimentación ni tampoco suena a algo que no se haya escuchado antes. Sin embargo, merece mención aparte. El álbum abre con “Children of the sun” en la voz de Brendan Perry que se encarga de iniciar el desfile musical. Hay otras piezas de alto octanaje que expelen una fuerte sensualidad como “Agape” en que la embrujadora voz de Lisa Gerrand conduce por confines oscuros y que exige paciencia para dejarse llevar por sus largos caminos. Lo mismo sucede con “Kiko”, una pieza extensa digna de ser escuchada durante una sesión de Kamasutra y Return of the she-king cuyos sonidos remiten a una marcha que anuncia la noticia que el regreso del Señor se aproxima. Su compañero Perry comparte la encomienda vocal con otras canciones como “Opium”, “Amnesia” y el cierre final con “All in good time”. Es momento de sentir arrepentimiento por los pecados cometidos.

A 16 años de distancia, es meritorio el hecho de que Dead Can Dance no abandone a sus generaciones de escuchas y haya tenido la osadía de salir de su silencio en los tiempos predominantes del pop y el rock reciclados, la trivialidad en la música y las descargas gratuitas.

Si el mundo habrá de sumergirse en una masa oscura y amorfa en los próximos días será mejor mantener los oídos vírgenes y los sentidos alertas, más aún si los muertos salen a bailar la pieza final.

Postales de fin de sexenio: La Comarca Lagunera y su violencia

Artículo sin publicar redactado en 2010

El 18 de julio fue la matanza en la quinta "Italia Inn" de Torreón, Coahuila. Al día siguiente los medios mencionaban que fueron 17 las víctimas, otras que 18, La Procuraduría de Justicia del Estado apoyaba la primera cifra mientras que un padre de familia indignado de que dieran por muerta a su hija antes de tiempo, manifestaba lo segundo. Algunos eran jóvenes, otros no tanto, pero todos corrieron con la misma suerte, incluso los músicos contratados para tocar en el jolgorio.

Tras el nombramiento del nuevo Secretario de Gobernación, Francisco Blake Mora no sólo sus propuestas rayaron en el lugar común de “no bajaremos la guardia” y “llegaremos hasta las últimas consecuencias”, sino que el recibimiento fue por igual macabro en Ciudad Juárez y Reynosa. Lo cierto es que, un nuevo crimen se perpetró en la ciudad de Torreón y mientras a algunos los tomó por sorpresa y desconcierto, para otros se trató de “una matanza más” donde los grupos dedicados al tráfico de droga como "Los Zetas" y los secuaces de Joaquín "Chapo" Guzmán se disputan la plaza.

Durante este año, Torreón ya había sufrido la furia de las balas fortuitas en que se cobró la vida de otros en el bar “Ferrie” en el mes de enero, aunque la tragedia fue opacada por otra masacre juvenil similar en Ciudad Juárez. En el mes de mayo, la muerte regresaría para ajustar cuentas en la noche de inauguración del bar “Juanas Vip” donde según los medios fueron ocho las víctimas, aunque otros testigos afirmarían que habían sido más. Sin embargo, este otro caso también quedó desplazado de las primeras planas por el secuestro del senador Diego Fernández de Cevallos. A raíz de estos incidentes, la vida nocturna en la entidad disminuyó y muchos optaron por reuniones caseras con carne asada, típico del norte de México.

Los días siguientes a la última masacre se respiraba un ambiente de tensión y relativa calma de forma ambivalente, los medios no paraban de hablar del suceso que por igual  se divulgó a nivel nacional como internacional, en que tanto The New York Times como la BBC de Londres coincidían en el mismo punto: la sangre había corrido. Muchos de sus lectores quizá jamás habían oído hablar de esta ciudad, pero ahora la palabra “Torreón” sonaba en sus oídos y saltaba ante sus ojos.

A finales del siglo XIX y hasta mediados del XX, la bonanza de Torreón se debió en gran parte a su ubicación geográfica cercana a Estadios Unidos que lo volvía un sitio privilegiado para el comercio prospero del algodón y el transporte por ferrocarril, En la actualidad se ha convertido en una cruz ya que sus vías resultan un accesible tránsito para la droga.

La calma que gozaba la ciudad anteriormente permitía a sus habitantes salir a la calle por la noche o por el día sin temor alguno cuando ahora el solo aire expele incertidumbre debido a otros efectos colaterales como el robo de autos o asaltos callejeros que repercuten en una evidente fuga de inversiones y hasta en el transporte. Según se informó directamente de la fuente, los taxistas se niegan a prestar el servicio desde la central camionera de Torreón hasta Gómez Palacio, Durango la ciudad aledaña, donde los índices de criminalidad son superiores, por lo que en ese caso optan por tomar el Periférico en lugar de transitar por el Bulevar Miguel Alemán, otro escenario de tiroteos cruciales.

A diferencia de Ciudad Juárez, Chihuahua, donde el narcotráfico ha perpetrado los actos más polémicos, Torreón parece estar fuera de la agenda de Felipe Calderón quien se ha encargado de subestimar sus devastadores efectos. Tras las matanzas de este año, el presidente no solo nunca se presentó, sino que se encargó de enviar como sustituto a su entonces Secretario de Gobernación, Fernando Gómez Mont sin que con ello hubiera alguna mejoría concreta.

En administraciones municipales anteriores, como la del alcalde panista José Ángel Pérez, se había propuesto crear el cuerpo policiaco más efectivo del norte del país cuando la realidad superó las propuestas de campaña: hoy 450 limitados elementos custodian a Torreón y otros jóvenes aspirantes más son exhortados por el actual alcalde priista Eduardo Olmos a cambio de mejores prestaciones como una casa propia cuando en tiempos pasados esto era inexistente. 

El resto de la historia se volvió una reacción en cadena estremecedora: salidas clandestinas de reos de Gómez Palacio bajo el consentimiento de la directora para cometer sus crímenes y cuatro periodistas desparecidos de los cuales tres fueron liberados. Los ojos de la sociedad se posaron en la Comarca Lagunera y su desasosiego actual. ¿Acaso esto era lo que faltaba para que finalmente se le tomara en cuenta y cuanto más falta para su desenlace?

Escuchar a Dead Can Dance me pone bien cachonda...

Su nuevo disco: Anastasis. Enjoy!

Sólo puedo decirte: nunca me abandones

...and it's breaking over me,
A thousand miles onto the sea bed,
Found the place to rest my head...

Decalogo del escritor (Augusto Monterroso)

Primero.
Cuando tengas algo que decir, dilo; cuando no, también. Escribe siempre.

Segundo.
No escribas nunca para tus contemporáneos, ni mucho menos, como hacen tantos, para tus antepasados. Hazlo para la posteridad, en la cual sin duda serás famoso, pues es bien sabido que la posteridad siempre hace justicia.

Tercero.
En ninguna circunstancia olvides el célebre díctum: "En literatura no hay nada escrito".

Cuarto.
Lo que puedas decir con cien palabras dilo con cien palabras; lo que con una, con una. No emplees nunca el término medio; así, jamás escribas nada con cincuenta palabras.

Quinto.
Aunque no lo parezca, escribir es un arte; ser escritor es ser un artista, como el artista del trapecio, o el luchador por antonomasia, que es el que lucha con el lenguaje; para esta lucha ejercítate de día y de noche.

Sexto.
Aprovecha todas las desventajas, como el insomnio, la prisión, o la pobreza; el primero hizo a Baudelaire, la segunda a Pellico y la tercera a todos tus amigos escritores; evita pues, dormir como Homero, la vida tranquila de un Byron, o ganar tanto como Bloy.

Séptimo.
No persigas el éxito. El éxito acabó con Cervantes, tan buen novelista hasta el Quijote. Aunque el éxito es siempre inevitable, procúrate un buen fracaso de vez en cuando para que tus amigos se entristezcan.

Octavo.
Fórmate un público inteligente, que se consigue más entre los ricos y los poderosos. De esta manera no te faltarán ni la comprensión ni el estímulo, que emana de estas dos únicas fuentes.

Noveno.
Cree en ti, pero no tanto; duda de ti, pero no tanto. Cuando sientas duda, cree; cuando creas, duda. En esto estriba la única verdadera sabiduría que puede acompañar a un escritor.

Décimo.
Trata de decir las cosas de manera que el lector sienta siempre que en el fondo es tanto o más inteligente que tú. De vez en cuando procura que efectivamente lo sea; pero para lograr eso tendrás que ser más inteligente que él.

Undécimo.
No olvides los sentimientos de los lectores. Por lo general es lo mejor que tienen; no como tú, que careces de ellos, pues de otro modo no intentarías meterte en este oficio.

Duodécimo.
Otra vez el lector. Entre mejor escribas más lectores tendrás; mientras les des obras cada vez más refinadas, un número cada vez mayor apetecerá tus creaciones; si escribes cosas para el montón nunca serás popular y nadie tratará de tocarte el saco en la calle, ni te señalará con el dedo en el supermercado.

El autor da la opción al escritor de descartar dos de estos enunciados, y quedarse con los restantes diez.

¿Asì que quieres ser escritor? Charles Bukowski

Si no brota de ti a borbotones
a pesar de todo,
ni lo intentes.
a menos que te salga por voluntad propia
del corazón y la mente y la boca
y las entrañas,
ni lo intentes.
si tienes que permanecer horas sentado
mirando la pantalla del ordenador
o encorvado sobe la
máquina de escribir
en busca de palabras,
ni lo intentes.
si lo haces por el dinero o
la fama,
ni lo intentes.
si lo haces porque quieres
mujeres en la cama
ni lo intentes.
si tienes que sentarte y
rehacerlo una y otra vez,
ni lo intentes.
si sólo pensar en ello ya te cuesta trabajo,
ni lo intentes.
si quieres escribir como algún
otro,
olvídalo. 

Si tienes que esperar a que salga de ti
con un rugido,
entonces espera tranquilo.
si no llega a salir de ti con un rugido,
dedícate a otra cosa.
si primero se lo tienes que leer a tu esposa
o a tu novia o tu novio
a tus padres o quienquiera que sea,
no estás preparado. 

No seas como tantos otros escritores,
no seas como tantos miles de
personas que se llaman escritores,
no seas soso, aburrido y
pretencioso, no te dejes consumir por el
narcisismo.
las bibliotecas del mundo
se han dormido de
aburrimiento
con los de tu calaña.
no lo empeores.
ni lo intentes.
a menos que te salga
del alma como un cohete,
a menos que creas que la inactividad
te llevaría a la locura o
al suicidio o al asesinato,
ni lo intentes.
a menos que el sol en tu interior te
abrase las entrañas,
ni lo intentes. 

Cuando de veras sea la hora,
y si estás entre los escogidos,
cobrará vida por
si mismo y seguirá cobrándola
hasta que mueras o muera
en ti. 

No hay otra manera. 

ni la hubo nunca...

Bat For Lashes: el regreso de la mujer murcielago

Publicado  hoy en la sección El ángel exterminador de Milenio Diario

Miriam Canales

Tres años después de su disco 'Two Suns', la británica de raíces paquistaníes, Natasha Khan, regresa con 'The Haunted Man' como su nueva propuesta otoñal, antes del colapso de 2012 y sus últimos acordes.

 

 

Cuando Natasha Khan (Londres, 1979) debutó con su proyecto Bat For Lashes en 2006, surgió como una propuesta étnica, oscura y hippie, influenciada por bandas como Cocteau Twins y una dosis de Dead Can Dance, rindiendo tributo a sus orígenes de Medio Oriente. Su imagen y estilo musical exóticos contrastan con la cultura inglesa en sí y muchas de las cantantes británicas de la actualidad. Escucharla es como mirar la luz de las velas, oler el incienso, sentirse en un ambiente de abstracción. No contonea las caderas como Shakira, pero sus manos tocan el piano, la guitarra y las percusiones.
Durante sus años escolares fue víctima del bullying debido a su fisonomía arabesca; tiempo después supo sacar ventaja de esto y lo transformó en su orgullosa imagen y discurso musical, primero con el disco Fur and Gold, nominado al Mercury Prize en 2007 con mucho folclor, piano, percusiones y handclapping. En su segunda obra lanzó el misterioso y romántico Two Suns (2009), con canciones como “Daniel”, “Pearl’s Dream” y “Sleep Alone”, para la parte final buscó al viejo crooner Scott Walker uniendo sus voces en “The Big Sleep”, a manera de broche de oro.
La banda inglesa Coldplay se acercaría a ella para invitarla como telonera para formar parte de su gira promocional del álbum Viva la vida, que incluyó presentaciones en el Distrito Federal y Monterrey. Con la desventura que durante ese concierto de marzo de 2010, algunos despistados asistentes la desconocían y hasta hubo quien tuvo la osadía de preguntar ingenuamente si se trataba de Yuridia de La Academia, por su parecido físico. El público no puso atención a su música aquella noche, ya fuera por ignorancia, desinterés o porque las cervezas frías resultaban más sustanciosas. Mala señal, especialmente para Ringo Starr o Thom Yorke, quienes llegaron a reconocerla como su cantante moderna preferida.

DE HOMBRES Y ESPECTROS
Con The Haunted Man, lanzado el 15 de octubre, encontramos a una nueva Natasha, en cuya portada en blanco y negro se muestra desnuda y sin maquillaje, cargando sobre la espalda a su “hombre fantasma”, igualmente desnudo; obra del fotógrafo estadunidense Ryan McGinley en homenaje a la honestidad y vulnerabilidad que implica la desnudez con un look muy al estilo de Patti Smith, de cabello corto y oscuro, según declaró a la revista inglesa New Musical Express. Quizá lo más intrigante de la fotografía no sea ver su delgado cuerpo expuesto, sino su gesto serio y mirada profunda.
En esta nueva entrega, de estilo folk y étnico, sin caer en formulas ya probadas, recurre a sus fetiches como astros, caballos, flores… pero ya no es la Natasha de melena oscura ataviada de vestidos largos, tiaras, plumas y cara pintada en sus presentaciones en vivo. Pearl, el personaje rubio que se creó a manera de alter ego para el disco Two Suns, ha quedado sepultado.
En julio lanzó como primer sencillo, desde su sitio oficial, “Laura”, una suave balada de piano con su característico estilo bucólico. La música de Bat For Lashes requiere atención y paciencia para escucharse; no sonaría en el bar de moda ni en la rocola de alguna cantina, sino en un ambiente de intimidad e introspección.
Después vendría “Marilyn”, una deliciosa pieza dream pop, en clara referencia a Marilyn Monroe, el nuevo sencillo “All Your Gold” recorre YouTube con su respectivo video. Curiosamente, algunos escuchas le encuentran semejanza con el hit “Someone I Used To Know” del grupo australiano Gotye, aunque esta canción fue escrita originalmente en 2010. Desde entonces Bat For Lashes ya contaba con una vasta colección de canciones que escribió mientras se encontraba de gira como para crear un nuevo disco, pero sin conformarse con esto decidió invertir más horas de trabajo y ampliar los temas de sus letras. Otras de sus nuevas canciones son “Lilies”, “Horses In The Sun”, “A Wall”, “Rest Your Head”, “Winter Fields”, “Oh Yeah”, “Deep Sea Diver” y la que le da nombre al disco: “The Haunted Man”.

ADIÓS A LOS DOS SOLES
Algunos medios británicos como The Guardian, The independent y revistas especializadas como Uncut y New Musical Express han dado críticas favorables. Tal vez no venda millones, pero la moneda apenas ha sido lanzada. La que algunos han llegado a considerar como “la nueva Björk” quizá se queden lejos en su definición. Natasha busca su propio camino sin parecerse a la cantante islandesa.
Caminando por las calles de Londres durante un viaje que hice a Inglaterra en 2009, descubrí que el ambiente y las noches tenían otro sabor más allá de lo que se muestra en los folletos turísticos. Escuchar la voz de Natasha sobre el puente de Londres me remitió a una sirena distante y oscura, a un murciélago que emprende el vuelo nocturno y había hechizado mis oídos. Sin el sonido de Two Suns, mi paseo británico no hubiese sido igual.

twitter: @miricaiba

Para Bertha en su tercer aniversario

Noviembre.

Esta mañana descubrì que llovìa.

Ya hace tres años de tu partida y tu presencia sigue vigente.

Desde que te fuiste dejè de temerle a los fantasmas...

 ...siento que ya hasta puedo tutearme con ellos.

En un partido de futbol...

 Ahora si que no entiendo que le pasó a Torreón y a La Laguna. Acudí anoche al partido Santos-Cruz Azul y un grupo de pendejos en la tribuna me estuvieron "buleando" sólo por llevar puesto un sombrerito negro; los ignoré, pero llegó un punto en que me hartaron y al levantarme de mi lugar para irme les lancé cerveza a la cara a algunos. En eso, una mujer-de las que se sumaron al bullying-me siguió p

or las escalinatas, me reclamó y me dio un empujón. Los policías la reprendieron por tratar de agredirme, pero la situación no paso a mayores. A la par de esto vi en los alrededores múltiples discusiones, insultos y hasta golpes entre la afición ya fuera santista o cruzazulina. Terminé francamente desconcertada. ¿Por qué si la gente se queja de la inseguridad y la violencia terminan propiciándola en eventos como éste? No justifico lo que yo hice, pero creo que esto sólo demuestra una imagen muy deteriorada del lagunero y de como su temperamento se ha ido modificando convirtiéndolo en un ser incivilizado, impulsivo y contagiado del ambiente de maldad de esta región...

¿o ustedes qué opinan?

El show debe continuar...

Whatever happens I'll leave it all to chance...

another heartache, another failed romance...

Does anybody now what we are living for?

Inside my heart is breaking, my make up maybe flaking, but my smile still stays on!

En el ombligo de la luna

Un disco de etno rock ochentero bastante raro y difícil de conseguir. Afortunadamente ya existe YouTube...

Caramelo macizo

Publicado en el libro "100 discos esenciales del rock mexicano"
 
En su cuarto álbum, La Lupita había dejado bailando a Paquita en la disco y emigrado del país de la lujuria para masticar su caramelo ya maduro a finales de los 90, una etapa consolidada dentro de su carrera en que el rock mexicano se encontraba en el pináculo y los mp3 apenas se gestaban en la mente de un adolescente como Sean Parker.

Cuando una banda como ésta alcanza dos décadas de existencia los caminos comienzan a volverse inciertos, la bandera de “rock en tu idioma” deja de enarbolarse como una curiosa novedad y la búsqueda de nuevas generaciones de escuchas resulta indispensable so pena de estancarse en las glorias pasadas. Desde sus inicios “La Lupe” nunca comulgó con la imagen oscura de Caifanes, ni la solemnidad de Santa Sabina ni el folclor de Café Tacuba, sino un estilo propio en el que el que el matrimonio Rosa Adame- Héctor Quijada compartían la estafeta cantando simultáneamente con letras desenfadadas.

La alineación original había sufrido diversos vaivenes desde su debut con la pareja de vocalistas, el bajista Poncho Toledo, el guitarrista Lino Nava, el baterista Ernesto “Bolo” Domene  y el percusionista Michel de Quevedo como miembros fundadores. Mientras otras bandas buscaban a finales de los 80 nombres en inglés, subversivos  o abstractos aquí se plasmaba una fe hacia la Virgen de Guadalupe y una dosis de urbanidad según una leyenda vista en un camión callejero.

Con “Pa’ servir a usted”  (1992) irrumpieron bajo un título a manera de presentación personal con aires de reverencia, después celebraron que la belleza pululaba bajo un ambiente de prosperidad con  “¡Qué bonito es casi todo!” (1994) y el posterior éxito comercial de “Tres-D” (1996) que contenía  la inolvidable “Ja, ja”.

Pero para ellos el rock  no era asunto de risa, sino de subir otro escalón. Después de surgir de Guadalajara, grabar en los confines de Culebra records, pisar los escenarios chilangos, trabajar en Londres y colaborar con gente como Fito Páez y el productor Daniel Melingo, pero sin alcanzar el éxito comercial a los niveles de la banda de Saúl Hernández, su carrera apuntaba más allá de “Ja, ja”, probablemente su canción más famosa, escuchada hasta el cansancio y covereada por grupos amateurs de bares nocturnos.

Este álbum apostaba por la renovación, su sonido se había adaptado a la última parte de los 90: una mezcla de ritmos pachangueros, pop, bossa nova y percusiones. Una muestra es el track inicial “Supersónico”, apto para cualquier pista de baile con la voz del matrimonio a dueto y un riff agudo que canta: “Ni placer comparado, no hay dolor ni pasado/Todo encuentra un camino largo sumamente agitado”. La estridente guitarra en “Quiero, quiero” viene acompañada de una letra en la que Quijada expresa una pasión vehemente hacia un objeto del deseo  femenino: “Quiero, quiero tu alma, tus manos, tu alma, tu cuerpo, tus piernas, tus tetas, tus labios”. “La Parca” podría ser una simple canción con percusiones bailables de no ser por su letra profunda, un  homenaje de Rosa Adame a la muerte y a los momentos efímeros de la vida: “Yo soy la que te marca las horas/ Te digo tú no eres un Dios/ Los hombres pierden la vida odiando/ Lo que importa es amar”.  Después de este viaje aderezado de fiesta y algarabía aparecen otros temas como para escucharse en un estado de relajación y un toque de sutil sensualidad como “La pared”. 

Otras piezas de alto octanaje como “El baile de los dragones”, “Vida olvida” “Diva de bar” y “Antena” conforman este material que a pesar de su calidad no obtuvo un éxito comercial masivo ya que justo ese mismo año vendría la responsabilidad crucial de reinterpretar el clásico “Gavilán o paloma”, en el disco tributo a José José que dejo relegado el trabajo anterior. En 1999 fomentaron sus lazos con “el amigo de todos los niños”, Chabelo en otro disco homenaje con la canción “Perrito Maltés” y la compilación de éxitos “Lupitología” (2004).

Los años siguientes tendrían una transformación decisiva y un silencio en la carrera de La Lupita después de que Rosa Adame dejara el grupo en 2001 para desviar su camino hacia la maternidad e incluir nuevos integrantes en sus filas como Luis Fernando Alejo en el bajo y Paco Godoy en la batería.

A pesar de la turbulencia, la fuerza de Guadalupe subsiste y quedó evidenciada en el Vive Latino, 2009 con sus miembros fundadores ante un público más joven que no compartió sus años durante la cúspide.

Su vela hacia la virgen morena sigue encendida para los tiempos actuales del rock mexicano. Prueba de ello es su última producción, Te odio.

Julieta Venegas: Aquí

Publicado en el libro "100 Discos esenciales del rock mexicano"

Cuando la hija predilecta de Baja California abandonó  las filas de su grupo Tijuana No para probar suerte en el Distrito Federal, comenzaría su aventura solista con una faceta oscura y melancólica acompañada de su inseparable acordeón, después cruzaría el umbral de lo comercial, tocaría un pop feliz  sería la imagen de marcas trasnacionales de refrescos y terminaría cantando con Paulina Rubio. El éxito le aguardaba con creces. ¡Pobre de ti, Julieta!

Muchos añorarían esta primera etapa en la que su imagen norteña se desvaneció para dar paso a su avecinamiento chilango; su voz sonaría en estaciones de radio “fresas” y llegaría a oídos que nunca escucharon el ímpetu y el lirismo con el que comenzó “Aquí”; el ska y las canciones sobre la migra y la frontera quedarían en tiempo pretérito.

Tijuana era más conocida en los 90 por sus noticias sobre violencia y narcotráfico que por su escena rockera y electrónica que se volvería más prolífica con el surgimiento de colectivos como Nortec. Esta voz femenil llegó para tomar la estafeta de cantantes como Rita Guerrero y Cecilia Toussaint. Desde finales de los 90 muchos la ubicarían por sus vestidos folclóricos, su nariz perforada, su semblante solemne y nostálgico y una sonrisa escondida que se reflejaría años después en el álbum “Sí” (2003).

“Aquí” tendría en sus manos una alineación portentosa para un debut musical conformaba por el productor argentino Gustavo Santaolalla, el productor asociado Aníbal Kerpel, y músicos como Joselo y Quique Rangel de Café Tacuba, Patricio Iglesias de Santa Sabina, Fratta y el Señor González, estos dos últimos compañeros del grupo “La Milagrosa” que habían integrado previamente en honor a un libro de la escritora Carmen Boullosa a quien la tijuanense agradecería abiertamente su inspiración.

El disco abre con “Oportunidad”, un piano que se transforma en un acordeón omnipresente en el disco. Julieta refleja la búsqueda justo de su primera oportunidad: “En cuanto aparezca la oportunidad dirá lo que tanto ha esperado/contará lo que estaba guardado/ encontrará que en el fondo nunca hubo silencio”.

…pero su primer sencillo promocional, “De mis pasos” es recordado en los tiempos en que MTV aun era un canal de videos que otorgaba un espacio selecto a artistas latinos; fue programado repetitivamente y le dio fuerte un impulso a la debutante. De nueva cuenta el acordeón que lo conduce plasma su esencia norteña y su vieja escuela en Tijuana No. “No pararé/el viento que me empuja me aleja de ti/mientras tu sentado cierras los ojos y pides ayuda a tu destino/Aprendo de mis pasos entiendo en mi caminar”. Este sería también su primer éxito, que la llevaría a un nivel de rockera respetable, pero sin pisar todavía los terrenos del mainstream. Ella, efectivamente, aprendió de sus primeros pasos.

Al escuchar “Antes” puede remitir a una imagen de una Julieta en escena con su otrora imagen bohemia, su ímpetu en escena con sabor tijuanense. Ella había llegando influenciada por rockeras de antaño, pero con un discurso propio que se transformó en una catapulta para mayores ventas. “Antes tenía tanto para todos/antes tenía, ahora deseo”. Sí, antes era antes.

“Cómo sé” es de esas canciones de pop digerible, ritmo lúdico y de los más luminosos y alegres del álbum. Otro de los sencillos exitosos a finales de los noventa.  “¿Cómo sé que si sonríes significa que nos conocemos demasiado bien?/ pero hace tiempo que presiento cuando miras así/ algo queda sin decir”. Como un coqueteo adolescente o una relación con más dudas que certezas. También ella tenía su lado naive.

Un piano poderoso guía dos de los cortes más melancólicos: “Esta vez” y “Quitar a otras”, ésta última como una 

dedicatoria implícita a las mujeres que se entrometen en relaciones de pareja: “Mi consuelo es: si lo vivo yo, 

lo vivirás/lo vivirás, mi consuelo es: si lo siento yo lo sentirás/lo sentirás, mi consuelo es: si  lo siento yo, 

lo sentirás tú/Mil demonios la mueven”.  

La segunda tiene todos los elementos para ser una canción romántica, un piano dramático y una letra que 

no necesariamente se refiere a una relación de pareja en el pináculo: “Esta vez somos de papel, somos 

la corteza de un árbol/ esta vez somos servilletas y el recibo de luz/esta vez somos honestos para siempre”. 

“Soy de los descalzos y estoy cansado de la lluvia que no cae”. 

En “Sabiéndose de los descalzos” Julieta explaya su voz a capella acompañada de un handclapping y 

las notas finales de un piano. Tiempo después cantaría esta canción a dueto con la intérprete folclórica argentina 

Mercedes Sosa para su álbum “Cantora”, poco antes de su muerte en 2009.

Después de este significativo debut vendrían  en la década siguiente discos como “Bueninvento”, también 

producido por Gustavo Santaolalla y colaboraciones en bandas sonoras de películas como “Amores Perros” 

en el 2000. Los años posteriores serían determinantes en la carrera de Julieta Venegas quien dio un giro 

de la escena subterránea a otra completamente renovada, diferente y para muchos, drástica; sería conocida en 

otros circuitos más comerciales, experimentaría con nuevas atmósferas musicales y su sonrisa se atrevería a 

asomarse en obras posteriores. Algunos lo recibieron con agrado, otros lo rechazaron. 

Ella había tenido la osadía de sobrepasarse a si misma sin temor al fracaso, otros se quedarían en el camino.

Miriam Canales

100 discos esenciales del rock mexicano

En este nuevo libro contribuyo con un par de reseñas de los discos "Caramelo macizo" de La Lupita y "Aquí" de Julieta Venegas. Coordinado por David Cortés y Alejandro González. Editorial Tomo. Colaboran otras plumas de experimentados periodistas como Enrique Blanc, Hugo García Michel, Patricia Peñaloza y músicos como Alonso Arreola, Liber Terán, Ali Gua Gua, Alejandro Otaola, José Manuel Aguilera y el Señor González.

Ex votos

Un año después y la vida sigue. Extravié algo valioso y lo recuperé.
El mundo no se detiene por cosas como ésa. 
Si éste fuera el siglo XIX mandaría hacer mi cuadro de ex votos a Dios y le agradecería...

Ryuichi Sakamoto

Fusión del Oriente

Nueva colaboración en Replicante

Por Miriam Canales

    

En el marco de la sección Aural del Festival de México, en un ambiente de oscuridad, calma y placidez, Sakamoto envolvió a una audiencia donde acudieron por igual conocedores, “hipsters” y hasta la ex Timbiriche Sasha Sokol.

Ryuichi Sakamoto

Ryuichi Sakamoto nunca ha sido un artista comercial ni un ídolo de masas. Toca por igual el piano y el sintetizador, canta, se enfoca en las músicas étnicas asiáticas y africanas y eventualmente se da el lujo de actuar, aunque las bandas sonoras de películas son su especialidad. En México tuvimos la oportunidad de presenciar su música el 16 de mayo pasado en el Teatro Metropolitan del Distrito Federal.
Descubrí su existencia no hace mucho tiempo por un viejo video de una canción llamada “Fieldwork”, de 1985, a dueto con el cantante inglés Thomas Dolby. La historia trata de un fanático punk que busca a toda costa el autógrafo de un soldado neurótico de la Segunda Guerra Mundial. Una faceta de Sakamoto más inclinada al pop opuesta a su imagen introvertida y una trayectoria cargada de partituras para películas que incluye El último emperador (1987) de Bernardo Bertolucci —por la que ganó un Oscar— y Babel (2006), de Alejandro González Iñárritu, quien también buscó sus notas para incluirlas en la parte de la adolescente sordomuda ninfómana.

La orquesta amarilla y David Bowie

Nacido en Tokio, Sakamoto comenzó a componer a finales de los años setenta, tras haber estudiado arte y música étnica. Influenciado por Claude Debussy dio los primeros pasos con el grupo Yellow Magic Orchestra (YMO), donde tocaba los teclados y ocasionalmente cantaba experimentando con atmósferas electrónicas. Sus éxitos “Computer Game/Firecracker”, de 1978, y “Behind the Mask”, del mismo año, fueron los primeros destellos de una larga carrera. Después buscó el éxito en solitario con discos como The Thousand Knives of Ryuichi Sakamoto, fusionando electrónica y música folclórica japonesa, y posteriormente B-2 Unite, en 1980, hasta que su banda finalmente se disolvió en 1983. El camino sería largo a partir de ahí, como también su lista de colaboradores.
De este lado del orbe todavía hay propuestas que permanecen desconocidas. En México la variedad de grupos y músicos orientales se hacen notar sólo si entablan lazos con alguna figura de Occidente. En este caso Ryuichi alternó con David Bowie en la película Merry Christmas Mr. Lawrence, de 1983, en la que actuó y compuso la banda sonora con la canción “Forbidden Colors”. Los dos fueron dirigidos por Nagisha Oshima, quien había dirigido siete años antes el erótico y polémico filme Imperio de los sentidos.

Con rockstars es mejor

Otros artistas que buscaron aliarse a su música en los ochenta fueron Iggy Pop y David Byrne, experimentando con el piano y los sintetizadores de la época; la pianista Akiko Yano, su esposa durante más de una década, y hasta Madonna, con quien actuó en su video “Rain”, de 1992. Los Juegos Olímpicos de Barcelona de hace veinte años también fueron amenizados por sus pinceladas musicales. Otras películas en las que ha intervenido son Ojos de serpiente (1998) y Femme Fatale (2002), de Brian de Palma, y Tacones lejanos (1992), de Pedro Almovodar, quien no quedó muy satisfecho con el trabajo. A la par de su actividad musical, Sakamoto contribuye con la organización antinuclear Stop Rokkasho, que promueve la extinción de la planta nuclear de Hamaoka, construida a 200 kilómetros de Tokio.

No todo es rock and roll, reguetón y “perreo chacalonero” en estos días. Vale la pena olvidarse por un momento de los guitarrazos, la euforia y los efectos especiales en concierto para escuchar esta maravillosa fusión del piano y la electrónica.

Los lazos con el artista visual Alva Noto (originalmente llamado Carsten Nicolai) datan de 2002, cuando lanzaron el álbum Vrioon, con un estilo digital y minimalista y su omnipresente piano. Después vendrían Insen (2005), Revep (2006), Utp (2008) y Summvs, de 2011. Noto estudió originalmente arquitectura en Alemania y utiliza otros alias como Aleph-1, y es miembro de los grupos Signal y Cyclo. Este año ambos también participaron en el festival Sonar de São Paulo.
En el marco de la sección Aural del Festival de México, en un ambiente de oscuridad, calma y placidez, Sakamoto envolvió a una audiencia donde acudieron por igual conocedores, “hipsters” y hasta la ex Timbiriche Sasha Sokol.
No todo es rock and roll, reguetón y “perreo chacalonero” en estos días. Vale la pena olvidarse por un momento de los guitarrazos, la euforia y los efectos especiales en concierto para escuchar esta maravillosa fusión del piano y la electrónica. ®

Más de la genial Bat For Lashes

Ecos del Corona Capital

Nueva colaboración en Replicante

Claroscuro de un festival

Por Miriam Canales

    

Este año la cartelera del Corona Capital estuvo encabezada por New Order, los sobrevivientes de Joy Division. El Autódromo Hermanos Rodríguez albergó a miles de personas que regresaron a casa con un sabor agridulce en la boca.

Un año más las empresas cerveceras se disputan el trono por organizar el festival más polémico, llenar más estadios, vender más líquido y traer a las mejores bandas del momento, como un pequeño Coachella o Lollapalooza. Esta vez el Corona Capital logró la hazaña de juntar a casi toda la alineación original de New Order y convencerlos de tocar en México, como lo hicieron con Portishead el año pasado y The Pixies en su primera edición en 2010. La curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez recibió por igual a grandes melómanos —y simples posers— el 13 y 14 de octubre.
Tachado de estilo hipster y hasta pretencioso, su principal inconveniente fue el incremento de precios para cubrir los dos días de festival y los excesivos cargos que hay que retribuir al “amo de los boletos”. Peor aún con los revendedores que cotizaban las entradas individuales hasta en 1,200 pesos para aquellos que no alcanzaron a comprar en la taquilla o extraviaron o rompieron su boleto por accidente.
Desde el sábado por la tarde se pronosticaba una lluvia que nunca cayó, aunque crecía la expectativa por volver a ver juntos a otras bandas ya separadas, como los ingleses de Suede, que con rolas como “Trash” encendieron los ánimos, ondearon las banderas británicas entre el público y después se imperó la flojera total; los suecos de The Hives derrocharon carisma ataviados de fracs. Su vocalista Howlin’ Pelle Almqvist expresó su entusiasmo en todo momento con un esmerado acento español y una enorme concurrencia nunca antes vista en sus presentaciones anteriores. The Kills hicieron lo suyo como uno de los grupos de moda, con la rubia presencia de Alison Mosshart. León Larregui, acompañado de Adanowsky en la guitarra, tocaron al atardecer como si estuvieran en la cochera de su casa. La aburrición total.
No faltaron los que quisieron sentirse mexicanos por una hora, como Cat Power, que exageró su vestimenta con sarape de Saltillo, escudo nacional y un look de rubia platinada estilo Ely Guerra. Lo peor fue que prescindió de varios de sus éxitos, como “The Greatest”. Craso error y oso mil. Basement Jaxx hizo esperar a su público casi cuarenta minutos para ofrecer un espectáculo de medianoche con cantantes negras disfrazadas de marineras, guitarras, congas y hasta delfines inflables para entretener a sus desvelados seguidores.
Al día siguiente, The Drums y The Raveonettes actuaron frente a un público diferente, acostumbrados a verlos en escenarios más pequeños o como teloneros de bandas como Depeche Mode. Una tarde plagada de música, tabaco, marihuana, sudor, papas fritas de 35 pesos y muchos litros de cerveza de 80, dieron sabor al domingo.

Tachado de estilo hipster y hasta pretencioso, su inconveniente fue el incremento de precios para cubrir los dos días de festival y los excesivos cargos que hay que retribuir al “amo de los boletos”. Peor aún con los revendedores que cotizaban las entradas individuales hasta en 1,200 pesos para aquellos que no alcanzaron a comprar en la taquilla o extraviaron o rompieron su boleto por accidente.

Sin embargo, la mentada de madre de este año se la llevaron los programadores, que tuvieron la ocurrencia de empalmar a los ex Joy Division con Florence + The Machine. Ambos tocaban el domingo a las 9 p.m. con sólo diez minutos de diferencia. Corría el riesgo de presenciar la que probablemente sería la única visita de los pioneros del synthpop a México y perderse a la flor más bella de Inglaterra en su también primer concierto, y viceversa, así que como coitus interruptus muchos abandonaron a alguno de ellos a medio show para apurarse a ver al otro, del escenario “Light” al “Capital”, o encontrarse a mitad de camino con la atractiva presencia de Modeselector en el “Bizco club”.
Treinta años después, y muchos kilos y arrugas de más —pero con mucha energía y vigor— entraron en escena Bernard Sumner, Gillian Gilbert, Stephen Morris y el bajista Tom Chapman, quien sustituyó a Peter Hook, para tocar los primeros acordes de “Crystal”. “¡Bailen cabrones! ¡Si no se la saben no mamen!”, gritaban eufóricos algunos asistentes cuando se escuchó “Bizarre Love Triangle” en la presentación estelar de New Order.
“Blue Monday”, una de esas rolas tan veneradas como choteadas y hasta usadas para hacer aerobics matutinos, sonó como una de las cartas fuertes de esa noche de lágrimas nostálgicas y pies ampollados. Su vocalista, Bernard Sumner, se contagió del ambiente y hasta intentó moverse al ritmo de su propia música. Bailar no es lo suyo. Gillian Gilbert permaneció seria e inmersa en sus teclados. El gran ausente fue Peter Hook, separado de sus compañeros y avocado a otros proyectos como solista y disc jockey. Tan sólo el año pasado había actuado en México presentando el disco Unknown Pleasures durante sus días de gloria junto a Joy Division y su finado compañero Ian Curtis. “¡Chinga tu madre, pinche Woody!”, le gritaban al bajista Tom Chapman, quien lo sustituyó esa noche. Otras canciones coreadas fueron “True Faith” y “Perfect Kiss”. Sí hay un culto al cantante que decidió terminar sus días ahorcado en su cocina.
Algunos darks mimetizados entre los hipsters acudieron sólo con la intención de presenciar a los viejos integrantes de la “división de la alegría”, y al escuchar los emotivos acordes de “Atmosphere” los ánimos estallaron rememorando su efímero y trascendental paso por la música. “¡Queremos ver el holograma de Ian Curtis!”, decían en las redes sociales. “Love Will Tear Us Apart” con todo el sabor de los tiempos de “Factory Records” y “Hacienda” de Manchester cerró la velada. El amor nos destrozará, sin duda
El lunes siguiente de resaca, músculos rígidos, pies adoloridos y gargantas rasposas hicieron un “lunes triste” al regreso a las labores cotidianas. La pregunta para el próximo año es: ¿Qué deparará a este festival con la venta de la Cervecería Modelo a la belga Anheuser-Busch? ®

Pesadillas antes del día de Palogüin

Tuve un sueño sobrecogedor: me encontraba con el terrorífiico Leatherface, el personaje de la película "La masacre en Texas" en una casa enorme, elegante y llena de gente, pero se mimetizaba como una "persona normal" sin su característica máscara aunque era igual de dañado y psicópata; me persiguió hasta alcanzarme, me tenía acostada sobre una tabla dispuesta a hacerme su víctima. En eso, desperté...

Este güey es  el Leatherface, para los que no sepan...

Para que se acuerden de Acapulco...

Adiós a la legendaria vida nocturna acapulqueña y a los paseos afables en la playa. El ambiente social se ha transformado en temor e inseguridad. Las luces de los antros se han apagado, las noches ya no les pertenecen a los turistas.

“Buenas tardes, ¿adónde se dirigen?” Un grupo de soldados inquisitivos de la Marina, encapuchados y armados con ametralladoras, se acercaron a la camioneta donde viajábamos después de unas compras dominicales. Sus ojos bajo el pasamontañas nos miraban con recelo a través de las ventanillas, el retén fue grabado en video. Tras el interrogatorio y al no encontrar nada sospechoso nos soltaron. La realidad supera cualquier imagen de los noticiarios.

 

Los tiempos del “Lost Acapulco” se ven cada vez más lejanos. Olvídense de la presencia de estrellas de Hollywood como Elizabeth Taylor, Johnny Weismüller o John Wayne, de los festivales musicales de Raúl Velasco o hasta de  Pedro, Pablo y Paco haciendo de las suyas en la saga de “La risa en vacaciones”. Uno de los sitios turísticos más emblemáticos del país también se ha visto ensombrecido por la presencia de narcotraficantes, tiroteos y el deambular de policías y militares. Los negocios, hoteles y antros que han resistido el cambio ostentan por doquier en anuncios y espectaculares la campaña: “Habla bien de aca”, como buscando disimular a toda costa la catástrofe con la que hay que lidiar diariamente. El impacto de su festival de cine anual de igual modo se ha menguado.

La última vez que visité este puerto fue en 2008, gocé de su ambiente nocturno, de las discotecas, de abordar un taxi con menos temor a encontrar al enemigo merodeando. Hoy, una noche por las calles resulta silenciosa y solitaria a diferencia de unos pocos años atrás en que la juerga dictaba la última palabra. Muchos nuevos elementos han modificado su fisonomía: el legendario tugurio “Tabares” ya no cuenta con colas de ávidos clientes esperando el acceso, el famoso Tianguis Turístico dejó de celebrarse después de 36 años; ahora la sangre pavimenta las calles. El recelo y el temor latente a una balacera fortuita inquietan los sentidos al igual que otras ciudades de México cuyos usos y costumbres se han trastocado. En el caso de Acapulco, su peligrosidad resulta considerable, según datos de la Secretaría de Seguridad Pública, se ubica como el quinto municipio más violento del país con 661 muertes por año y Guerrero como el tercer estado con mayor número de homicidios después de Chihuahua y Sinaloa.

Una tarde me encuentro bebiendo una cerveza en Punta Diamante en un pequeño restaurante de mariscos cercano al centro comercial “La isla”, donde Luis Miguel presta su imagen. El calor húmedo me impregnaba, el sol me pegaba en la mollera. Mientras daba un sorbo al tarro, un comando de militares patrullaban las calles en convoys, los soldados enfundados en el grueso uniforme parecían no inmutarse con las altas temperaturas, me miraban directamente con sospecha; su presencia incomodaba. ¿Por qué ni siquiera en esas circunstancias podía beber una cerveza tranquilamente para aminorar el calor?

El descenso en el turismo también ha afectado a la región: tan solo este año la cantidad de springbreakers en los tiempos de Zeferino Torreblanca, bajó de 120 mil en 2006, a menos de 100 en 2011. De 10 pasajeros que arriban, 10 son extranjeros y 3 mexicanos, según cifras del propio gobierno.

Algunos habitantes no creen que haya sido la inseguridad el detonante de la baja turística. Ramona, quien ha vivido en el puerto por más de 20 años considera que la rivalidad con Cancún arrasó desde hace tiempo con el turismo internacional; mucha de la afluencia hacia Acapulco proviene de los viajeros capitalinos: “Eso pasó hace mucho, los turistas extranjeros ya no vienen a Acapulco; esto sólo se sostiene por el turismo nacional”.

Una noche me detuve a observar la playa de Caleta, otrora pacífica y de hombres y mujeres ondeando libremente sus carnes en bikini. Advertían que la marea se encontraba en su punto más alto, pero no era el vaivén y la fuerza de las olas lo que me atemorizaba. Al abandonar la ciudad abordé un autobús en la central de Punta Diamante, se adentró en la Autopista del sol, solitaria y oscura; comencé a inquietarme. Sabía que el peligro iba más allá de las fuerzas de la naturaleza.

Sobre ella...

Mi hombre tiene un corazón como una roca en el mar...

Marilyn

Abrazandote siento que toco una estrella...

Florence + the machine: la máquina del amor y la oscuridad

Publicado hoy en la sección El Ángel Exterminador • 24 Septiembre 2012 -Por — Miriam Canales

Como una de las cantantes jóvenes de la nueva bancada inglesa que buscan ocupar el trono de Amy Winehouse llega Florence + the machine, un proyecto comandado por Florence Welch, próximo a visitar México.

Ilustración: Nostragamus

Florence no añora al novio que la abandonó como Adele ni se asemeja al pop de Jessie J, o a las baladas de Anna Calvi, tampoco vierte sus letras en alcohol y drogas, pero su voz está impregnada de un espíritu épico y suave, luminoso y oscuro a la vez que ha sonado por igual en la serie Game of thrones y la película Blancanieves y el cazador.
El trono de Amy Winehouse ha quedado acéfalo. En Inglaterra han proliferado nuevos talentos femeninos que lo disputan más allá de las frívolas competencias en reality shows. La londinense Welch viene formada en otro molde: idolatra a Stevie Nicks, U2 la invitó como telonera de la gira “360 grados” y Bono la enseñó a bailar en tacones mientras conviviero, pero en México terminaron intercambiándola por Snow Patrol. Se ha dado el lujo de irse de parranda con Kanye West y se abre paso encabezando festivales internacionales como Coachella y Lollapalooza. La imagen de Florence remite a Bat For Lashes o a Goldfrapp en sus inicios.
Como una hechicera, como una ninfa inmersa en las profundidades de su voz, “la sirena de Coachella” no garantiza una estancia dulce y feliz al adentrarse en su mundo que posee una dualidad de inocencia y fiereza como se evidencian en sus dos álbumes Lungs (2009) y Ceremonials (2011). Florence muestra sus diferentes facetas: delicada como una flor y salvaje como una bestia. El 28 de agosto cumplió apenas 26 años, pero su semblante dramático, actitud adulta y vestimenta conservadora hacen creer que ha pasado de los 35. Su cabellera rojiza podría emparentarla con Kate Bush aunque es evidente el legado musical que la cantante de Fleetwood Mac corre como una de sus influencias.

Mujer de ceremonias y pulmones fuertes

“Aquí estoy, como una chica de corazón débil, congelada en las luces”, canta en “Rabbit heart” a manera de presentación en su primer disco Lungs; un álbum que, como el diario de una adolescente, viene cargado de momentos de candor y crudeza. Otro ejemplo es “Howl”, una desgarradora canción pop con tintes nocturnos que describe el dolor de la pérdida de la inocencia: “Si tan solo vieras la bestia que hiciste de mí y ahora me haces aullar”. En cambio, “Cosmic love” es una balada romántica poderosa en la que las emociones explotan y el amor se vuelve como un paseo cósmico. “Las estrellas, la luna, todas se han apagado y me dejaste en la oscuridad. No hay amanecer/no hay día/siempre estoy en este crepúsculo, a la sombra de tu corazón”.
El disco cierra con “You’ve got the love” y una frase contundente y soñadora dirigida al ser amado, como dardo de miel: “Tú tienes el amor que necesito para salir adelante”.
Su segundo disco, Ceremonials, muestra a una Florence más madura, arriesgada y hasta sombría, por ello escogió el día de Halloween de 2011 como fecha de lanzamiento.
En su nuevo aire de misticismo conviven seres fantásticos, espectros y hasta demonios como en “Seven devils”, tema usado para la serie Game of thrones. Alguna vez mencionó que deseaba hacer un disco parecido al soundtrack de la película Romeo y Julieta. En “No Light, no Light” narra cómo la vida puede ser desesperanzada en los momentos en que la luz se apaga. La misteriosa balada “What the water gave me” alude a la muerte de Virginia Woolf ahogada en un río: “Oh amor, no me abandones/ toma lo que el agua me dio/por eso acuéstame/deja que el único sonido sea la corriente”. “Shake it out” es afable y dulce, como una invitación a un baile de máscaras. Este álbum contiene además un disco extra con lados b y versiones alternativas acompañadas de piano.

Siguiente parada: México

Florence ha colaborado en otros proyectos como bandas sonoras de películas como Eat, pray, love y Jennifer’s body y recientemente Blancanieves y el cazador, donde con “Breath of life” seguida por un coro narra las tristezas del personaje de la reina Ravenna (Charlize Theron). Y, por otro lado, ha contribuido en otros más controvertidos como en Here lies love, que junto a David Byrne, Santigold y Fatboy Slim conmemoraron a la ex primera dama de Filipinas, Imelda Marcos.
A la par de su vida profesional, diversas páginas de internet —y hasta en su propia cuenta de Twitter— se ha evidenciado besando a otras chicas, entre ellas a su cercana colaboradora Isabella Summers, lo que ha puesto en entredicho sus preferencias sexuales. La pelirroja no parece perder el sueño por esto y sólo ha declarado ambiguamente: “Besar chicas está bien, pero soy heterosexual en Inglaterra”.
Lesbiana, bisexual o “buga flexible”, Florence conducirá su máquina rumbo al Corona Capital para el 14 de octubre donde se encontrará de headliner con bandas como New Order y The Black Keys. Sin distinción de géneros o roles sexuales, su música llegará a oídos de este país por vez primera.
Florence Cassez se puede ir al diablo por sus crímenes. Ésta es la única Florence en la que hay que creer.
Miriam Canales
Twitter: @miricaiba

Noche fetichista